20 Quinta-feira Set 2018
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Cinema, Ficção Científica, George Lucas, Podcast, Segundo Take, Star Wars, Universos Paralelos
Pode ouvir aqui o nono episódio de Universos Paralelos:
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.
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14 Sexta-feira Set 2018
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Cinema, Ficção Científica, George Lucas, Podcast, Segundo Take, Star Wars, Universos Paralelos
Segunda-feira, dia 17 de Setembro chega mais um Universos Paralelos, no podcast Segundo Take, com a autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez, voltamos às guerras das estrelas de George Lucas, para um segundo episódio que abarca o período produtivo de 1999 a 2012. O episódio poderá ser encontrado aqui:
Decorre o ano de 1997, e fãs de todo o Mundo rejubilam com o lançamento da edição especial da trilogia original de Star Wars, comemorando os vinte anos da estreia do filme original, “Uma Nova Esperança” (1977). Esta nova edição conta com aquilo a que Richard McCallum (produtor das prequelas) chamou visão original: aquilo que George Lucas pretendia que os filmes originais fossem, mas que a tecnologia da época e outros constrangimentos não permitiram. Temos, portanto, novas cenas adicionadas com recurso às novas tecnologias digitais, que começam a ganhar terreno após o enorme sucesso de filmes como “Toy Story” (1995). A imagem e o som também foram remasterizados à luz das tecnologias que se tornam agora práticas comuns.
Os fãs não podem deixar de pensar se este lançamento significaria algo para o futuro da saga. E não muito tempo depois, o próprio Lucas anuncia que mais três filmes serão lançados. São prequelas dos originais e propõem-se a contar a origem do mítico Darth Vader e a ascensão do Imperador ao poder, resultando na queda da então próspera república e com ela o desaparecimento de quase todos os Jedis. São estreados: “Star Wars: Episódio I – A Ameaça Fantasma” (1999), “Star Wars: Episódio II – O Ataque dos Clones” (2002) e “Star Wars: Episódio III – A Vingança dos Sith” (2005). Somos apresentados a novas personagens como: Anakin Skywalker (Hayden Christensen), Padmé Amidala (Natalie Portman), um jovem Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor), Mace Windu (Samuel L. Jackson), Qui-Gon Jinn (Liam Neeson), Jar Jar Binks (Ahmed Best), Darth Maul (Ray Park), entre outros. Os filmes são realizados e escritos pelo próprio Lucas (com a ajuda de Jonathan Hales na escrita do episódio II).
Sente-se a transição dos filmes de fantasia da primeira trilogia para a ficção científica desta nova vaga. A política toma um lugar de primeira classe, onde vemos a dinâmica do senado que influencia a galáxia, as suas tramas que levam à ascensão do Imperador e posteriormente à criação do Império tão conhecido pelos fãs e temido pelos rebeldes. Os cavaleiros Jedis, donos da luz que mantém a ordem contra o lado negro até então enfraquecido. Enquanto que na trilogia original somos apresentados a um novo universo, às leis que o regem e à sua física, dando asas a um mundo mágico onde a Força é um espírito do povo e fonte de esperança, onde a fantasia e a imaginação são reis, aqui nesta nova trilogia a fantasia é trocada pela razão e pela ciência, onde até a Força, movível na sua espiritualidade, se torna num instrumento ao serviço da ciência e da exactidão, na sua contagem pelos midi-chlorians. Lucas tenta aqui criar filmes para um público mais maduro, talvez para aquelas crianças dos originais que são agora adultas; tentando também alcançar as crianças que podem ser seduzidas pelo espectáculo das então novas e energéticas batalhas de sabres de luz e corridas de naves e podracers. No entanto, e apesar de todos os seus esforços, esta nova trilogia cai mal junto dos fãs, que quiçá depois de anos a criar expectativas não as viram preenchidas. Sou, e apesar de tudo, um fã e defensor destes filmes; são os do meu tempo e julgo-os uma óptima adição a um universo tão rico e complexo como o de Star Wars.
Lucas não se vê demovido pelas reações negativas e em 2008 é estreado “Star Wars – A Guerra dos Clones”, realizado pela então estrela em ascensão dentro da Lucasfilm, Dave Filoni. O filme segue Ahsoka Tano e o seu mestre, Anakin Skywalker numa missão secreta para resgatar o filho de Jabba the Hutt. Os acontecimentos decorrem entre o episódio II e III. O filme serve como piloto para uma série de animação lançada no mesmo ano e com o mesmo nome (2008-2014). Criada pelo próprio Lucas, tem ao leme Dave Filoni e durante seis temporadas seguimos os mesmos personagens do filme homónimo e a mesma linha temporal. Ao contrário das prequelas e do filme de animação, a série é bem recebida junto do público e da crítica.
Entretanto, durante estes anos de ouro de produção, outros meios encontram neste universo um lugar: são lançados dezenas de livros, bandas desenhas, jogos de vídeo que se propõem a fechar os buracos que compõem a cronologia que parece apenas crescer a cada dia que passa (há registo de arcos narrativos desde 25,793 BBY – Before the Battle of Yavin – a 139 ABY – After the Battle of Yavin).
Se calhar devido ao sucesso da série “Clone Wars”, em 2014 a Lucasfilm anuncia uma nova série de animação ao serviço do novo canal da Disney (um acto premonitório do que então se avizinha), “Star Wars: Rebels” (2014-2018), desta vez já com a mão de Filoni como criador. Lucas encontra-se desaparecido desta nova campanha, pois algo havia sucedido uns anos antes. Em 2012, a Lucasfilm é comprada pela gigante Disney por uns incríveis 4 mil milhões de doláres e George oferece o seu lugar a Kathleen Kennedy como presidente da Lucasfilm. Inicia-se uma nova era para a saga Star Wars; dividem-se os campos entre o contentamento e o descontentamento de fãs. O vasto Universo Expandido que havia sido criado ao longo de anos é desconsiderado como cânone e passa-se a denominar de Legends. Isto é feito com o intuito de se criar uma tábua rasa para os próximos projectos onde apenas são consideradas as produções com o selo da Lucasfilm, ou seja, os filmes originais, as prequelas e Clone Wars. Mas algo é certo: novos materiais estão a ser e serão produzidos nos anos que aí vêm.
Independentemente da posição que cada um tem em relação às várias eras que a Star Wars já sofreu, algo é certo: estamos perante uma saga que já acompanhou gerações de miúdos e graúdos e que não tem intenções de parar, portanto para o bem desta galáxia muito distante, apertem os cintos e desfrutem da viagem, que será inferior a 12 parsecs.
Tomás Agostinho, Setembro 2018.
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25 Quarta-feira Jul 2018
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Adrian Hoven, Barbara Valentin, Cinema, Cinema alemão, Daniel F. Galouye, Ficção Científica, Günter Lamprecht, Gottfried John, Ingrid Caven, Ivan Desny, Joachim Hansen, Karl Heinz Vosgerau, Klaus Löwitsch, Kurt Raab, Margit Carstensen, Mascha Rabben, Novo cinema alemão, Rainer Werner Fassbinder, Realidade virtual, Ulli Lommel, Wolfgang Schenck
No IKZ (Institut für Kybernetik und Zukunftsforschung), o professor Vollmer (Adrian Hoven) dirige uma experiência de simulação computacional criando um mundo similar ao nosso, com unidades que em tudo parecem pessoas reais e não sabem não o ser. Quando o professor morre em situações estranhas, o seu sucessor, Fred Stiller (Klaus Löwitsch) investiga a sua morte, deparando com uma série de peculiaridades como pessoas que desaparecem e ninguém se parece lembrar delas. Numa experiência, um dos seus colegas regressa do mundo virtual com a mente de uma das unidades nele criadas, a qual diz a Stiller que, não só é possível viajar entre níveis, como o dele não é o real, mas também uma simulação. Continuar a ler
23 Segunda-feira Jul 2018
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Pode ouvir aqui o sétimo episódio de Universos Paralelos:
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.
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20 Sexta-feira Jul 2018
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Cinema, Cyberpunk, Ficção Científica, Matrix, Podcast, Realidade virtual, Segundo Take, Universos Paralelos, Wachowski
Segunda-feira, dia 23 de Julho chega o sétimo episódio de Universos Paralelos, como sempre no podcast Segundo Take, e com a autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez o explora-se o deserto do real da forma como os irmãos Wachowski nos deram a conhecer as fronteiras entre realidade e virtual, na série Matrix. O episódio poderá ser encontrado aqui:
“Bem-vindo ao deserto do real”. Com estas palavras ditas por Morpheus a Neo, somos lançados numa das trilogias mais marcantes que a 7ª Arte nos tem para oferecer.
Em 1999, os irmãos Wachowskis, Andy e Larry – agora Lilly e Lana, respectivamente – apresentaram ao grande público um filme que se tornaria um dos filmes mais discutidos nos círculos académicos filosóficos desde o “Vontade Indómita” (The Fountainhead, 1949) de King Vidor ou “O Sétimo Selo” (Det sjunde inseglet, 1957) de Ingmar Bergman. Tal como no tratado de Jean Baudrillard, “Simulacres et Simulation” (1981), de onde a linha de diálogo supra referida é retirada, “Matrix” procura examinar as relações entre realidade, símbolos, e sociedade, em particular os significados e simbolismo da cultura e dos media que estão envolvidos na construção de um entendimento de uma existência partilhada. No tratado, os simulacros são cópias que representam coisas que nunca tiveram um original, ou que deixaram de ter um. No filme, o simulacro não é uma cópia do real, mas torna-se verdadeiro no seu próprio direito: o hiper-real; ou seja, a incapacidade da consciência distinguir entre a realidade e uma simulação da realidade. Uma simulação é a imitação das operações de um processo do mundo real ou sistema ao longo do tempo.
Os Wachowskis, intencionalmente, procuram desestabilizar o espectador com estas questões. Numa entrevista, disseram candidamente que queriam colocar as grandes questões do Homem num só filme. Revelou-se um projecto ambicioso que viria a crescer para uma trilogia (posteriormente estrearam: “The Matrix Reloaded” (The Matrix Reloaded, 2003) e “Matrix Revolutions” (The Matrix Revolutions, 2003)). Como sugerido por Slavoj Žižek, Matrix é um verdadeiro teste de Rorschach para teses filosóficas: existencialismo, Marxismo, feminismo, Budismo, niilismo, pós-modernismo, … É possível encontrar, praticamente, qualquer ismo nesta trilogia. No entanto, algumas questões apresentam-se como centrais: O que posso saber? O que devo fazer? O que posso esperar? O que é real? O que é a felicidade? O que é a mente? O que é a liberdade, e será que a temos? É a inteligência artificial possível?
Aparte das questões que os filmes suscitam, esta trilogia também representa um salto bastante relevante dentro do género cinematográfico dos filmes de acção. Repleto de inovações técnicas que permitem aos actores desafiar as leis da gravidade (evidenciando o contraste entre as cenas do mundo actual e as do mundo virtual – “there is no spoon” – como é dito a Neo, pois a Matrix apesar de não ser de forma senciente distinguível do real, não deixa de ser constituída por linhas de código e mudando isso – no filme isso implica mudar-se a si mesmo –, muda-se a realidade aparente, permitindo a Neo parar balas, voar ou saltar entre prédios), como é o caso da bullet time, Matrix aproxima-se de um cinema de artes marciais clássico com técnicas modernas; funde lutas coreografadas e a utilização de fios presos aos actores para simular capacidades sobre-humanas (também conhecido como Qinggong) dentro de um mundo virtual para contrastar múltiplas realidades. Cinematograficamente falando este contraste encontra-se na escolha das cores: predominância do verde no virtual e do azul no real. Notemos ainda que o que é representado como realidade virtual não recorre (ou recorre pouco) ao digital, ao passo que o que é representado como realidade actual é, em contrapartida, sistematicamente produzido com imagens digitais. A realidade actual é negra, suja e desesperante, enquanto que a realidade virtual é colorida, limpa e no fundo, feliz. Compreende-se a posição de Cypher: “After nine years, you know what I realize? Ignorance is bliss.” Incapaz de distinguir duas realidades, mas vale viver naquela em que somos felizes.
Ainda com o intuito de aumentar o universo de Matrix e preencher algumas lacunas presentes nos filmes, os Wachowskis produziram uma antologia de curtas metragens de animação denominada de “The Animatrix” (The Animatrix, 2003). A antologia contém detalhes da história do universo Matrix, incluindo a guerra original entre homem e máquina que levou à criação da Matrix. Conta com convidados de renome como: Shinichirō Watanabe (Cowboy Bebop) ou Peter Chung (Æon Flux)
Filho do cyberpunk, Matrix é uma série de filmes que carrega a tocha bem acesa desse subgénero da ficção científica. Apresenta-se como vários filmes de acção, mas que inevitavelmente suscitam em nós várias questões de grande importância. Aqui, neste pequeno texto, procurei reflectir mais sobre a questão do real, mas a título de possível interesse, deixo outros três problemas filosóficos, presentes neste universo, que aconselho o devido aprofundamento: (i) a alegoria da caverna de Platão, (ii) o dualismo cartesiano corpo-alma e (iii) o problema de Molyneux.
Bons visionamentos, boas leituras, e vemo-nos do outro lado da toca do coelho.
Tomás Agostinho, Julho de 2018.
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19 Terça-feira Jun 2018
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Cinema, Distopia futurística, Ficção Científica, Podcast, Segundo Take, Terry Gilliam, Universos Paralelos
Pode ouvir aqui o sext episódio de Universos Paralelos:
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.
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14 Quinta-feira Jun 2018
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Cinema, Distopia futurística, Ficção Científica, Podcast, Segundo Take, Terry Gilliam, Universos Paralelos
Segunda-feira, dia 18 de Junho, chega o sexto episódio de Universos Paralelos, no podcast Segundo Take, da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez teremos “algo completamente diferente”, as incursões no futuro distópico de cenários retrofuturistas imaginados por Terry Gilliam. O programa poderá ser encontrado aqui:
Nascido nos Estados Unidos em 1940, e mais tarde naturalizado inglês, renunciando mesmo à nacionalidade norte-americana, Terrance Vance Gilliam tornou-se conhecido no mundo do espectáculo audiovisual por ser um dos seis elementos da célebre troupe de comediantes Monty Python, que em 1969 começaram a surpreender o mundo com o seu programa de televisão “Monty Python’s Flying Circus” (BBC, 1969-1974).
Tal como os seus parceiros “pythonianos”, Terry Gilliam ostentava uma educação superior (Mestrado em Ciências Políticas) quando decidiu seguir a carreira artística, dando expressão à sua paixão pelo desenho e animação. Foi como animador e desenhador de banda desenhada na revista “Help!” que Gilliam iniciou a carreira nas artes gráficas, e quando esta fechou, rumou a Inglaterra, onde acabou a desenhar para televisão, nomeadamente no programa “Do Not Adjust Your Set” (1967-1969), onde conheceu os futuros Python Eric Idle, Michael Palin e Terry Jones.
Nos Monty Python, Gilliam foi o responsável pelos elos de ligação animados entre sketches, que combinavam na perfeição com os cortes abruptos pretendidos no humor da série, e onde usava de um surrealismo de associação livre, humor negro e imaginário grotesco, feito de colagens, e recorrendo a conhecidas obras de arte e fotografias antigas, o que resultou num estilo muito próprio e ainda hoje inconfundível.
Aos poucos, Gilliam passou a ter um pouco mais de peso como actor e autor de sketches (principalmente na quarta temporada da série — aquela em que John Cleese tirou um ano de sabática —, e também nas actuações de palco), mas a sua contribuição, como se veria na passagem ao cinema, seria sobretudo na definição da imagem do grupo. Com essa vertente em mente, Gilliam assumiu a direcção (a meias com Jones) do filme “Monty Python e o Cálice Sagrado” (Monty Python and the Holy Grail, 1975), um filme que lida com temas históricos e fantasia, desconstruídos com o habitual humor corrosivo dos Python, num rumo que Gilliam prosseguiria nas suas obras a solo: “Aventuras em Terras do Rei Bruno, o Discutível” (Jabberwocky, 1977), “Os Ladrões do Tempo” (Time Bandits, 1981) e “A Fantástica Aventura do Barão” (The Adventures of Baron Munchausen, 1988), qualquer um deles com um ou mais Pythons presentes no elenco.
Após a realização da curta-metragem “The Crimson Permanent Assurance”, incluída em “O Sentido da Vida” (Monty Python’s The Meaning of Life, 1983), os Python seguiram caminhos separados, com Gilliam a mostrar que, dos seis, era o mais talhado (e motivado) para a carreira de realizador.
Em 1985, Terry Gilliam teria aquele que foi talvez o seu primeiro grande sucesso junto da crítica, com “Brazil: O Outro Lado do Sonho”, um filme que também escreveu, e que segundo o próprio faz parte da “Trilogia da Imaginação”, que compreende ainda “Os Ladrões do Tempo” e “A Fantástica Aventura do Barão”, e que passa por testemunhos do mundo através dos olhos de personagens deslocadas, à beira da loucura, ou em desespero (uma criança em “Os Ladrões do Tempo”, um adulto em “Brazil” e um idoso em “A Fantástica Aventura do Barão”). “Brazil” é, acima de tudo o primeiro dos filmes do que chamamos o futuro distópico de Terry Gilliam, uma espécie de conto “orwelliano” sobre uma sociedade futura, totalitária, presa a valores de pesadelo, sejam a extrema burocracia, a claustrofobia ou as idiossincrasias da classe dominante. Tudo nele é grotesco e surreal, numa pesada atmosfera de opressão, de que fugir parece ser a única opção sã.
Fuga da realidade, fronteira entre a sanidade e demência, futuro horrífico distópico é também o tema de “12 Macacos” (Twelve Monkeys, 1995), o segundo filme da “Trilogia Americana” — que compreende ainda “O Rei Pescador” (The Fisher King, 1991) e “Delírio em Las Vegas” (Fear and Loathing in Las Vegas, 1998) —, um remake do clássico de Chris Marker “La Jetée” (1962), e que nos tece uma complexa trama de viagens no tempo, numa história de inevitabilidade trágica, entre um futuro pós-apocalíptico e um presente não menos são, pelo menos para quem o vê com os olhos dos personagens de Gilliam.
Esta obsessão distópica por um futuro grotesco e surreal volta em “O Teorema Zero” (2013), um novo conto de solidão e disfunções sociais, num mundo ininteligível aos nossos olhos, onde tudo e nada parecem apontar para o completo absurdo do sentido da vida (novamente o piscar de olhos à história dos Monty Python).
José Carlos Maltez, Fevereiro de 2018
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22 Terça-feira Maio 2018
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Pode ouvir aqui o quinto episódio de Universos Paralelos:
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21 Segunda-feira Maio 2018
Posted in O apogeu do gore
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Cinema, David Cronenberg, Ficção Científica, Geena Davis, George Langelaan, Gore, Jeff Goldblum, John Getz, Monster movie, Terror
Seth Brundle (Jeff Goldblum) é um cientista reservado e sonhador, que ambiciona construir uma máquina que teleporte matéria, desintegrando-a de um lado e recombinando-a do outro. Falta-lhe apenas resolver o problema de teleportar seres vivos, quando apresenta o projecto à jornalista Veronica Quaife (Geena Davis). O trabalho prossegue e os dois iniciam uma relação. Quando os primeiros seres vivos são teleportados com sucesso, Brundle decide experimentar ele próprio, mas o seu DNA é recombinado com o de uma mosca que entrara no aparelho com ele. A partir daí, sem que Brundle perceba o que se passa, o seu corpo vai iniciar uma metamorfose de efeitos horríficos. Continuar a ler
18 Sexta-feira Maio 2018
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Cinema, Ficção Científica, George Lucas, Podcast, Segundo Take, Star Wars, Universos Paralelos
Segunda-feira, dia 21 de Maio, chega o quinto episódio de Universos Paralelos, no podcast Segundo Take, da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).
É a vez de abraçarmos o universo criado por George Lucas na saga Star Wars, que vamos dividir em três partes, a primeira abarcando a construção do universo que decorreu desde 1973 a 1999, e que poderá ser encontrada aqui:
Pré 1973: Um universo sem guerras nas estrelas
Imaginem, se conseguirem, um mundo sem “A Guerra das Estrelas”. Bem sei que neste momento parece impossível, no entanto tempos houve em que a omnipresença da marca “Star Wars” — entretanto, fomos proibidos de usar o título em português, proibição que me dá especial prazer ignorar — não se fazia sentir, simplesmente porque não existia. O panorama da ficção científica (de pendor mais científico ou de fantasia), depois dos anos formativos do género enquanto expressão na sétima arte, vivia dividido entre a ponderação filosófica que Stanley Kubrick ofereceu em 1968 com “2001: Odisseia no Espaço” (2001: A Space Odyssey) e o escapismo de orçamento relativamente contido e estética duvidosa de filmes como “Fuga no Século XXIII” (Logan’s Run, Michael Anderson, 1976).
Não obstante o filme de Kubrick, este género ainda não tinha ganho o respeito que lhe era devido, e era encarado com desdém pelo mainstream, sendo normalmente apontado a públicos adolescentes de nicho. Em 1971, George Lucas estreou-se na realização de longas-metragens com “THX 1138”, uma obra quase experimental de ficção científica que expandia o seu filme de estudante na USC (University of Southern California). Depois de evitar a descida pessoal aos infernos, ao desistir da realização de “Apocalypse Now” — no que seria uma abordagem radicalmente diferente do que Francis Ford Coppola acabou por fazer —, Lucas revisitou a sua infância em 1973 com “American Graffiti: Nova Geração”. Quando este filme estreou, o norte-americano nascido a 14 de Maio em Modesto, na Califórnia, tinha já começado a escrever aquele que seria o seu próximo projecto: uma aventura espacial baseada numa variedade de filmes, bandas desenhadas e séries televisivas que o tinham impressionado nos seus anos formativos.
1973-1976: O nascimento de uma nova esperança
As influências de Lucas na criação da sua ópera espacial são sobejamente conhecidas, porém incontornáveis. A estrutura narrativa deve muita da sua inspiração ao filme de 1958 de Akira Kurosawa com o título internacional “The Hidden Fortress” (Kakushi-toride no san-akunin), e o conceito de aventuras no espaço deve muito a Flash Gordon, tanto a tira de banda desenhada de Alex Raymond como as suas episódicas aventuras cinematográficas das décadas de trinta e quarenta. “Metropolis” (Fritz Lang, 1927), “A Desaparecida” (The Searchers, John Ford, 1956), “Tora! Tora! Tora!” (Richard Fleischer, Kinji Fukasak, Toshio Masuda, 1970), “Esquadrilha Heróica” (The Dam Busters, Michael Anderson, 1954) e as bandas desenhadas “Weird Fantasy”, “Weird Science”, “Shadow Comics” ou “Amazing Stories” são apenas alguns dos muitos exemplos adicionais de obras que podem também ser listados como tendo permeado a criação do universo em fase embrionária.
Por incrível que possa parecer (mais uma vez), o universo de A Guerra das Estrelas não nasceu totalmente formado e cristalizado. Entre 1973 e 1976, Lucas criou, alterou, experimentou e voltou a alterar (por vezes de forma radical) ideias, personagens, locais, mitologias e acontecimentos narrativos numa busca constante pela criação perfeita. Neste processo fascinante podemos ter um vislumbre do acto criativo de uma mente fervilhante no pico da sua imaginação. Alguns conceitos importantes aparecem imediatamente no rascunho de sinopse datado de 1973, “Journal of the Whills”, como a Ordem Jedi e o Império Galáctico. Desde esse momento, entre os primeiros rascunhos intitulados “The Star Wars” (1973-1974) e as várias versões do argumento em que os títulos reflectem a natureza episódica que se revelou no processo de escrita — Adventures of the “Starkiller. Episode I: The Star Wars” (1975), “The Star Wars: From the Adventures of the Starkiller” (1975), “The Adventures of Luke Starkiller as Taken from the ‘Journal of the Whills’ (Saga I) Star Wars” (1976) — os elementos da história foram surgindo e tomando forma com a ajuda do trabalho de uma equipa de artistas, incluindo os decisivos desenhos conceptuais de Ralph McQuarrie. Luke Skywalker começou por ser um General envelhecido; o herói começou por ser Annikin Starkiller, um Jedi-bendu; a princesa Leia deu lugar a Deak, o irmão do herói, para mais tarde reaparecer; a ordem Jedi esteve para se chamar Dai Nogas; Han Solo esteve para ser um alienígena; conceitos, como os Cavaleiros Sith e os cristais Kiber, foram criados para mais tarde serem abandonados. Alan Dean Foster, o escritor fantasma de George Lucas da adaptação do argumento a ser editada a par com o filme — nesta altura, não era óbvio que este viesse a ter êxito —, foi então encarregue de escrever um romance que pudesse dar origem a uma sequela de baixo orçamento. Esta foi a primeira semente semeada por Lucas de expansão do seu universo por terceiros. Entretanto, depois de umas rodagens atribuladas e de uma ajuda preciosa da esposa Marcia na edição, George Lucas concluiu o seu projecto de sonho à última hora, estreando “A Guerra das Estrelas” nos EUA a 25 de Maio de 1977.
1977-1983: O início de um império
Com o sucesso ao nível planetário, Lucas decide tornar A Guerra das Estrelas numa saga episódica — vulgo franchise. Começam então a surgir as muitas versões contraditórias (incluindo do próprio autor) sobre os planos de filmes que continuariam a saga, bem como daqueles que contariam o que aconteceu antes de conhecermos Luke Skywalker, Leia Organa, Han Solo, Ben «Obi-Wan» Kenobi, Chewbacca, R2-D2, C-3PO e Darth Vader. Ainda em 1977, e não querendo repetir tão cedo o stress da responsabilidade de escrever e realizar um filme do calibre do primeiro, Lucas convidou a veterana Leigh Brackett para escrever um tratamento para o argumento do que então se designou chamar Chapter II ou Star Wars Sequel, a ser realizado pelo também veterano, e antigo professor de Lucas, Irvin Kershner. Lucas fala numa saga épica de doze capítulos e neste segundo episódio introduz a ideia de que Luke Skywalker tem uma irmã. Dada a reacção do público a Darth Vader, decide também explorar esta personagem e expandir o seu mito, e quando a decisão mais importante de toda a saga é tomada — Darth Vader não matou Anakin Skywalker, o pai de Luke; ele é o seu pai! — o conceito da irmã foi abandonado.
Em 1978, Brackett faleceu e Lawrence Kasdan foi convidado para terminar o argumento do segundo episódio, entretanto nomeado The Empire Strikes Back. Paralelamente, a Marvel continuava a sua edição regular de aventuras em banda desenhada iniciada no ano anterior com a adaptação do argumento de Lucas. No que toca a livros (e excluindo adaptações dos filmes), “Splinter of the Mind’s Eye”, a continuação de “A Guerra das Estrelas” de baixo orçamento por Alan Dean Foster, é editada como uma curiosidade, abrindo a porta à edição das séries de livros “The Han Solo Adventures” e “The Lando Calrissian Adventures” nos anos seguintes. Para acabar o ano em beleza e capitalizar o sucesso de A Guerra das Estrelas, estreou no Natal The Star Wars Holiday Special, para posterior vergonha de todos os intervenientes. No ano seguinte, Lucas anuncia que a saga será constituída por nove capítulos — três trilogias —, ao invés de doze, e a derradeira versão do argumento anuncia um capítulo V. Este momento capital define que o novo filme será o capítulo central da segunda trilogia de três, renomeado o primeiro filme para “Episódio IV – Uma Nova Esperança”, e prometendo uma trilogia que contará a história dos jovens Ben Kenobi e Darth Vader. É introduzida também pelo mestre Yoda, uma nova e cativante personagem, a ideia de que haverá, além de Luke, uma outra esperança para os Jedi e para o destino da galáxia. Prosaicamente, este conceito foi introduzido para possibilitar a eventualidade de continuar a saga sem Mark Hamill, ou seja, Lucas não queria que o seu universo dependesse dos seus actores.
“O Império Contra-Ataca” foi um sucesso e consolidou “A Guerra das Estrelas” como um fenómeno cultural. Com este capítulo, chegaram também os videojogos, tanto nas salas de jogos arcade como em sistemas caseiros a dar os seus tímidos primeiros passos. Prosseguindo os planos para a trilogia central, Kasdan voltou para o argumento do episódio VI, “Revenge of the Jedi” — mais tarde famosamente alterado para “Return of the Jedi” —, um capítulo em que Lucas contratou Richard Marquand para a cadeira de realizador e decidiu voltar a estar mais envolvido. Dando continuidade à sugestão de Yoda no filme anterior, outra decisão sísmica (narrativamente falando) é tomada: Leia é irmã de Luke. Mais uma vez, afunilava-se o universo da saga, mas ampliava-se o impacto e envolvimento emocional com este grupo de personagens. As mil e uma questões e implicações das revelações «Darth Vader é pai de Luke» e «Luke é irmão de Leia» estão no cerne de muitos debates que se continuam a ter sobre esta criação artística, mas é inegável que são também os pilares que transformaram excitantes aventuras espaciais numa saga trágica de trevas e redenção. Excluído do argumento, mas mantido na adaptação literária, está também um momento que capturaria o imaginário de fãs e autores interessados em explorar todos os recantos possíveis deste imenso universo criado por Lucas: a história de origem de Vader numa luta com Kenobi num planeta de lava.
1984-1996: O universo expande-se
A segunda metade da década de oitenta foi um mau período para se ser fã de “A Guerra das Estrelas”, a não ser que se tivesse um computador — nesta altura começaram a ser lançados videojogos com bastante frequência. Lucas decidiu apostar numa vertente mais infantil e lançou, entre 1984 e 1985, dois filmes televisivos que capitalizavam o sucesso dos Ewoks — amados por uns e detestados por outros — junto dos fãs mais novos: “Star Wars: Uma Aventura Ewoks – A Caravana da Coragem” (The Ewok Adventure, John Korty) e “Star Wars: Uma Aventura Ewoks – A Conquista de Endor” (Ewoks: The Battle for Endor, Jim Wheat, Ken Wheat). Estas criaturas peludas e os andróides R2-D2 e C-3PO teriam também as suas séries animadas e as respectivas bandas desenhadas da Marvel. Se as séries não sobreviveram para além de 1986, no ano seguinte também a editora cessaria a publicação de qualquer material ligado a este universo.
Subitamente, em 1991, numa altura em que as promessas de mais filmes pareciam goradas, o universo criado por George Lucas começou a expandir-se. A Dark Horse começou a editar bandas desenhadas Star Wars, dando início com a série “Dark Empire”, escrita por Tom Veitch e ilustrada por Cam Kennedy. E, talvez mais decisivo para o reavivar da chama da saga, é editado o livro “Herdeiro do Império”, o primeiro capítulo da “Trilogia Thrawn” escrita por Timothy Zahn. A partir deste momento, estavam abertas as portas para o desenvolvimento de narrativas complementares que vieram a desenhar o que se convencionou chamar de Universo Expandido do Star Wars. Por indicação do próprio Lucas, estas histórias tentavam desenhar acontecimentos posteriores à saga cinematográfica. O criador reservava, assim, o passado para explorar nas prometidas «prequelas».
Talvez um dos momentos mais significativos deste período tenha sido “As Sombras do Império” — uma aventura com Luke, Leia, Lando e Chewbacca numa tentativa de salvar Han Solo congelado em carbonite, passada entre os episódios V e VI, portanto. Este foi um projecto multiplataforma constituído por um videojogo (para a Nintendo 64 e Windows), uma banda desenhada escrita por John Wagner e ilustrada por Kilian Plunkett, um livro da autoria de Steve Perry e uma banda sonora composta por Joel McNeely com uma capa ilustrada por Drew Struzan. Neste período, surgiram também alguns videojogos que ajudaram a revitalizar a relação dos fãs com a “A Guerra das Estrelas”, providenciando experiências cada vez mais imersiva: “X-Wing” (1993), “TIE Fighter” (1994), “Star Wars: Dark Forces” (1995) são alguns dos exemplos de títulos que catapultavam o jogador directamente para a acção.
1997-1999: A ameaça canónica
Apesar do Universo Expandido ser constituído por material produzido ou licenciado pela Lucasfilm, que controlava, na medida do possível, a consistência das obras produzidas no sentido de manter uma visão canónica do mesmo, George Lucas reservou o direito de se inspirar nas ideias desenvolvidas por terceiros ou até vir a contradizê-las. Tanto os livros como as bandas desenhadas e os videojogos não pararam de crescer e de se inspirarem mutuamente — veja-se “Star Wars: Mara Jade: By the Emperor’s Hand”, uma série de bandas desenhadas escrita por Timothy Zahn e Michael A. Stackpole e ilustrada por Carlos Ezquerra, baseada na popular personagem criada por Zahn na sua “Trilogia Thrawn”, por exemplo, ou as séries de livros “Dark Forces” e “X-Wing” baseadas nos respectivos videojogos.
Com o renovado interesse do público manifestado pelo rápido crescimento destes títulos, Lucas recuperou a ideia de avançar com os três primeiros episódios da saga que tinha ficado orfã de um primeiro acto. Como prova de conceito, no sentido de testar o estado da arte dos efeitos especiais para comprovar que estavam à altura da sua imaginação, surgem em 1997 as edições especiais dos filmes da trilogia que agora começava a ser referida como a original. Perfeccionista até ao fim, Lucas, que nunca se tinha coibido de introduzir alterações sempre que “A Guerra das Estrelas”, “O Império Contra-Ataca” ou “O Regresso de Jedi” eram editados no mercado caseiro, revelou cenas novas e actualizadas digitalmente nos três filmes. As polémicas vieram mais tarde. Na altura, qualquer Star Wars adicional era Star Wars bem-vindo. E, por muito que se prezasse todo o Universo Expandido que nos tinha sustentado até então, não havia livro, banda desenhada ou videojogo que mitigasse a ansiedade provocada pela ideia de voltar pela mão do próprio criador a um tempo longínquo e a uma galáxia muito distante no grande ecrã…
António Araújo, Março de 2018
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