“O meu ciclo”, por Hugo Gomes

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Billy Wilder, Ciclos, Cinema

Billy wilder

por Hugo Gomes
autor do blog Cinematograficamente Falando

Quando referimos o cinema clássico de Hollywood, dificilmente deixaremos de lado o realizador e argumentista Billy Wilder, o qual o próprio autor Woody Allen aclama como “inspiração”.

Nascido na Polónia em 1906, na localidade de Galícia, Samuel Wilder tinha como original ambição ser advogado, mas após a sua mudança para Viena torna-se jornalista de uma tablóide alemã. Desde então entrou no ramo do cinema como guionista. Devido à ascensão de Hitler e do regime nazista, Wilder não teve outra opção do que emigrar para os EUA, um país do qual desconhecia a língua, mas que conseguiu “dominá-la” em pouco tempo.

Adquirindo o nome artístico de Billy Wilder, o autor consegue por fim integrar-se na indústria do cinema norte-americano com a ajuda do seu amigo e actor Peter Lorre, e em conjunto com Charles Brackett começou a escrever argumentos de diversos clássicos como Ninotchka (1939) com Greta Garbo no principal papel.

Só em 1942 é que começou a dirigir os seus primeiros filmes, enquanto o seu anterior parceiro da escrita, Brackett seguiu como produtor dessas mesmas obras, uma parceria que durou até 1950 com Sunset Boulevard a vencer o Óscar de Melhor Argumento Original. Depois disso o cineasta continuou na indústria cinematográfica, realizando, escrevendo e produzindo os seus próprios projectos.

Símbolo de ousadia de uma Hollywood ainda inocente e preservadora dos bons valores morais, Billy Wilder explorou os diversos géneros cinematográficos desde o film noir até ao drama, com evidente tendência para a comédia romântica o qual definiu variados parâmetros e lugares-comuns que ainda hoje são difíceis de contornar. Fascinado por personagens ambíguas e “estrelas caídas”, Wilder é também caracterizado pelo ligeiro tom de perversidade que concentra nas suas obras, culminando por vezes como foi o caso do curioso Kiss Me, Stupid, reacções iradas da Liga Católico-Romana da Decência. O último filme do autor foi Buddy Buddy (Amigos da Onça em português), um divertido trabalho com uma das suas duplas predilectas Jack Lemmon e Walter Mathau. Billy Wilder morreu em 2002, no dia 27 de Março, tinha 95 anos.

Neste ciclo iremos acompanhar as sete obras incontornáveis da carreira de Billy Wilder, a começar por Double Indemnity em 1944, um film noir que preserva todos os ingredientes possíveis e imaginários do subgénero, “plus” o talento e criatividade de Wilder e o seu parceiro Charles Brackett.

De seguida paramos em 1950 com o final dessa cooperação. Sunset Boulevard é a obra-prima mais badalada do autor, um ácido e nada ingénuo retrato de uma Hollywood cruel para com as suas memórias e património. Uma diva do cinema mudo (Gloria Swanson), isolada na sua luxuosa mansão que vive um amor obsessivo por um fracassado e oportunista argumentista (William Holden). O desfecho deste filme de contornos noir é icónico e fantasmagoricamente eternizado.

Depois segue-se The Seven Year Itch (1955), o primeiro trabalho com a actriz Marilyn Monroe, naquele que foi um dos papéis mais elogiados da sua carreira. Quem não se lembra da sequência do ventilador, que em combinação com o vestido branco de Monroe origina uma das (se não a) imagens de marca do realizador, contudo este foi um dos poucos filmes que não escreveu.

Passados quatro anos surge um dos maiores êxitos do seu trabalho, Some Like it Hot (1959), icónica comédia romântica, entre as melhores do género sem dúvida, que evidencia o regresso de Wilder e a Marilyn Monroe em outro desempenho divertido. A fita também contou com os desempenhos de Tony Curtis e Jack Lemmon.

Este último protagoniza The Apartment (1960), um filme altamente criativo sobre um homem que alugou um apartamento mas sob diversas circunstâncias não consegue usufruir dele.

Vencedor o Óscar de Melhor Filme. Em 1974, o bem-sucedido The Front Page, um dos melhores filmes da dupla maravilha Jack Lemmon e Walter Mathau e por fim o pessoal Fedora (1978), descrito pelo próprio Billy Wilder como uma sequela não oficial de Sunset Boulevard, a continuação do desprezo de Hollywood pelas suas antigas estrelas e as crónicas de uma actriz em pura decadência, conta com excelentes prestações de William Holden e Marthe Keller.

Filmes aconselhados:

• “Pagos a Dobrar” (Double Indemnity, 1944)
• “Crepúsculo dos Deuses” (Sunset Boulevard, 1950)
• “O Pecado Mora ao Lado” (The Seven Year Itch, 1955)
• “Quanto Mais Quente Melhor” (Some Like It Hot!, 1959)
• “O Apartamento” (The Apartment, 1960)
• “Primeira Página” (The Front Page, 1974)
• “O Segredo de Fedora” (Fedora, 1978)

“O meu ciclo”, por Sofia Santos

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Ciclos, Cinema, Crescimento

Teenage Angst

por Sofia Santos
autora do blog Girl On Film

O mote para este texto é dado por “Teenage Angst” da banda Placebo.

O porquê da escolha? Porque a adolescência é algo que gosto de observar. E angústia, porque é um dos melhores termos para descrever e caracterizar esta “borbulhenta fase”.

Os dramas e as alegrias balançam entre um não saber o que vestir, uma troca de beijos na discoteca, um será que ele(a) gosta de mim? Entre ralhetes dos pais, um primeiro cigarro, a primeira cerveja e a oscilação – quase abismal – entre o não querer tomar banho e o passar horas dentro de uma banheira.

A temática “adolescência” tem um potencial imenso para argumentos no Cinema, mas muitas vezes é mal tratada. A abordagem fácil, a utilização do cómico, do amor lamechas, do baile de finalistas, ou da gravidez na adolescência pode ser um descalabro catastrófico, no entanto, todos estes clichés têm potencial, quando à frente dos filmes, estão realizadores competentes, um argumento solido e actuações marcantes.

A escolha das obras cinematográficas podia ter sido completamente diferente. Podia ter optado por um ciclo fofinho e romântico, um cómico ou coisa semelhante. Mas, como já fui adolescente, e fui um exemplar complexo, resolvi escolher filmes polémicos. Filmes estes, que tenho a certeza que se naquele ano, naquele dia e naquela hora, não tivesse mudado a minha forma de viver e de estar, podiam ser verdadeiros documentos biográficos.

Quando a vida prega um susto. – Elephant (Gus Van Sant)
Aclamado e polémico, o filme narra os acontecimentos que envolverem um tiroteio numa escola. Inspirado no massacre de Columbine, o filme começa antes do tiroteio e segue a vida dos vários personagens dentro e fora da escola – numa altura em que não têm qualquer conhecimento prévio sobre aquilo que está prestes a acontecer.

Quando a doença surge e é usada ao serviço do mal. – Kids (Larry Clark)
Tendo como cenário de fundo a cidade de Nova York, Kids mostra o agitado mundo dos adolescentes – caracterizado pelo uso excessivo de drogas e sexo inseguro. Telly é um jovem que tem como definição de “sexo seguro” só ter relações sexuais com virgens, mas tudo se altera quando uma das meninas virginais é portadora do vírus da Sida.

Quando a idiotice da origem à morte. – Paranoid Park (Gus Van Sant)
Alex é um jovem skater de 16 anos, fã e usuário diário do famoso parque. O jovem vê-se envolvido acidentalmente na morte de um segurança e resolve manter a morte de um ser humano em segredo.

Quando não nos aceitam como somos – Bully (Larry Clark)
Baseado numa história verídica, conta a história de sete estudantes do secundário com uma vida levada entre extremos e marcada por sexo e uso de drogas, que matam de forma selvática e cruel um amigo/colega. A premeditação do crime, destrói de forma irremediável a vida de todos.

Quando o companheirismo vence. – Stand by Me (Rob Reiner)
Cordie, Chris, Teddy e Vern são quatro amigos inseparáveis. Os quatro resolvem partir numa aventura com o objectivo de encontrarem um jovem desaparecido. Os quatro querem ser heróis à força e durante dois dias partilham experiências – umas boas, outras más. Superam todas, com coragem e determinação, mas sobretudo com a amizade que os une.

Quando acontece a obrigatoriedade de crescer. – Juno (Jason Reitman)
Juno é uma jovem segura de si própria e de resposta pronta. Numa tarde em que não tinha nada para fazer, resolve ter relações sexuais com um colega. O resultado foi uma gravidez. A adolescente decide que não quer ficar com o bebé, mas conforme o tempo vai passando e a barriga vai crescendo, Juno é obrigada a crescer com ela.

Quando o assustador desconhecido, se torna confortável mente familiar. – The Perks of Being a Wallflower (Stephen Chbosky)
Charlie é pouco sociável e invisível para os outros. Mas conhece um grupo de adolescentes que são também eles estranhos à sua maneira. Surgem assim novas amizades, amor, sexo, diversão e uma paixão pela literatura. Mas tudo isto é perturbado por um Passado que insiste em atormenta-lo.

Quando a adolescência destrói os sonhos de vida adulta que se sonhava ser perfeita. – Sleepers (Barry Levinson)
Nova Iorque. Verão, calor insuportável. Quatro amigos procuram a diversão na rua, mas a diversão acaba em tragédia. Condenados a uma pena num estabelecimento prisional, cruzam-se com adultos que vão destruir o seu processo de crescimento, os seus sonhos e até a amizade que os unia. Anos mais tarde, já em liberdade, reencontram-se. A vida de cada um tomou rumos diferentes, dois subsistiram melhor que os outros, mas os quatro, mais do que a amizade que os uniu, é a vingança que os move.

Quando o amor é proibido. – Circumstance (Maryam Keshavarz)
Duas adolescentes iranianas estão a descobrir a sua sexualidade e a informação contemporânea do mundo ocidental. Mas o conhecimento que chega do mundo exterior e os sentimentos que nutrem uma pela outra vão entrar em choque com os valores intrínsecos e milenares de uma cultura retrógrada e enraizada.

Quando crescer é uma desilusão. – The Basketball Diaries (Scott Kalvert)
Nova Iorque, anos 70. Os sonhos da Geração de 60 destruídos. Jim Carrol é um jovem atleta que pretende ser uma estrela de Basquetebol, mas numa curva da vida, Jim envolve-se com drogas, crime e prostituição e vive de perto a doença do seu melhor amigo. Carrol cresce, mas o caminho que escolheu, terá um retorno impossível.

“When you’re young, not much matters. When you find something that you care about, then that’s all you got. When you go to sleep at night you dream of pussy. When you wake up it’s the same thing. It’s there in your face. You can’t escape it. Sometimes when you’re young the only place to go is inside. That’s just it – fucking is what I love. Take that away from me and I really got nothing.” (Telly in Kids)

Filmes citados:

• “Conta Comigo” (Stand by Me, 1986) de Rob Reiner
• “Miúdos” (Kids, 1995) de Larry Clark
• “Grito de Revolta” (The Basketball Diaries, 1995) de Scott Kalvert
• “Sentimento de Revolta” (Sleepers, 1996) de Barry Levinson
• “Bully – Estranhas Amizades” (Bully, 2001) de Larry Clark
• “Elefante” (Elephant, 2003) de Gus Van Sant
• “Juno” (Juno, 2007) de Jason Reitman
• “Paranoid Park” (Paranoid Park, 2007) de Gus Van Sant
• “Circumstance” (Circumstance, 2011) de Maryam Keshavarz
• “As Vantagens de Ser Invisível” (The Perks of Being a Wallflower, 2012) de Stephen Chbosky

“O meu ciclo”, por Luís Costa

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Capitalismo, Ciclos, Cinema

Cinema e Capitalismo: Uma História de Amor/Ódio

por Luís Costa
autor do blog Polaroid Journal

Daniel Plainview: “I have a competition in me. I want no one else to succeed.”

O cinema nasceu no fim do século XIX e desde tenra idade que foi assediado pelo capitalismo, que viu nesta indústria uma enorme possibilidade de fazer grandes quantias de dinheiro. Sendo facilmente aceite pelas massas, pode dizer-se que de todas as artes a sétima é a que mais potencial de negócio apresenta. Poucos anos passaram desde a sua invenção e já existiam nos EUA grandes estúdios, que tinham como objectivo principal capitalizar ao máximo as suas estrelas e realizadores.

Mas cedo alguns cineastas começaram a revoltar-se contra o capitalismo e a usar a Sétima Arte como meio para o criticar e expor. Temos o excelente exemplo de Charlie Chaplin e o seu Modern Times (Tempos Modernos), um filme que apresentou a pobreza, desemprego, intolerância política e desigualdade económica criada pelo mundo industrializado. Para Chaplin “A Máquina deveria beneficiar a Humanidade e não ser a causadora de tragédia, ao reduzir os postos de trabalho”.

Contudo, Chaplin não foi o primeiro a insurgir-se contra o capitalismo. Seria impossível falar deste tema sem viajar até à União Soviética, um estado onde a orientação política e económica estavam no lado oposto do espectro, relativamente ao capitalismo. Alguns realizadores russos abordaram este tema, mas Sergei Eisenstein foi talvez o mais prolífico e famoso de todos. Para além de ter sido um dos cineastas que mais contribuiu para o avanço da sétima arte, Eisenstein era um propangadista que se opunha fortemente ao capitalismo, como bem podemos ver no seu Stachka (A Greve), de 1925.

Viajando até aos anos 80 e 90, encontramos três excelentes exemplos de filmes que pretendem demonstrar os aspectos negativos do capitalismo. Wall Street, Glengarry Glen Ross (Sucesso a Qualquer Preço) e The Insider (O Informador), realizados por Oliver Stone, James Foley e Michael Mann, respectivamente, são três obras que abordam este tema e o pintam de forma bastante negra. Ganância, desigualdade, competição desenfreada e manipulação são uma constante ao longo destes três filmes. O mais interessante é que tudo isto é feito em pleno mundo empresarial, contrariando a ideia de que este tipo de situação só ocorre em meios que associamos ao crime, como o tráfico de drogas ou a máfia.

Para uma abordagem mais real ao tema, podemos também ver dois óptimos documentários. Em Capitalism: A Love Story (Capitalismo – Uma História de Amor), do famoso realizador documental Michael Moore, deparamo-nos com uma viagem crítica, mas também cómica, ao mundo do capitalismo. Em Inside Job (Inside Job – A Verdade da Crise), de Charles Ferguson, o tema é abordado de uma forma mais séria e, pode também dizer-se, mais atual. Aqui, mergulhamos nas razões que levaram a esta crise mundial que vivemos. A relação corrupta entre o sistema financeiro e o estado Americano é o principal alvo, mas são também apresentadas as consequências, muitas vezes mundiais, de tal promiscuidade entre estes dois grupos.

Por fim, apresento aquele que para mim é “O” filme sobre o capitalismo. There Will Be Blood (Haverá Sangue), de Paul Thomas Anderson, é uma parábola sobre o nascimento do capitalismo. Daniel Plainview é a personificação desta forma selvagem de agir. Para ele, nada é mais importante do que ganhar, conquistar e sugar tudo o que pode até ao tutano. Plainview marca o nascer de uma nova era onde o capitalismo é a nova religião, onde Deus foi subsituído pelo dinheiro. Daniel Plainview é o Capitalismo.

Filmes citados:

• “A Greve” (Stachka, 1925) de Sergei M. Eisenstein
• “Tempos Modernos” (Modern Times, 1936) de Charlie Chaplin
• “Wall Street” (Wall Street, 1987) de Oliver Stone
• “Sucesso a Qualquer Preço” (Glengarry Glen Ross, 1992) de James Foley
• “O Informador” (The Insider, 1999) de Michael Mann
• “Haverá Sangue” (There Will be Blood, 2007) de Paul Thomas Anderson
• “Capitalismo – Uma História de Amor” (Capitalism: A Love Story, 2009) de Michael Moore
• “Inside Job – A Verdade da Crise” (Inside Job, 2010) de Charles Ferguson

“O meu ciclo”, por António Tavares de Figueiredo

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Ciclos, Cinema

Entrei no Quarto Errado

por António Tavares de Figueiredo
autor do blog Matinée Portuense

Há filmes que são como quartos fechados. Divisões abandonadas, ocupadas por monstros escondidos e fantasmas esquecidos. Este é o Cinema desses abismos.

De Hitchcock, que os via do prédio da frente sem nada poder fazer, a Powell, que os filmava na pele de um assassino. Da sala destrancada de Buñuel, à esquizofrenia criativa de Harmony Korine. Do “Diabo” na Terra de Tarr à terra do Diabo de Friedkin. Do pesadelo expressionista de Wiene à sexualidade malsã de Rodrigues. Da obsessão do gesto, preso no espaço, de Akerman e, claro, dos quartos de Lynch. São estórias que, hipnóticas, nos convidam, sonhos que azedam, Arte que explora o fascínio pelo macabro e pelo mórbido, pelo lado proibido da Vida.

Por isso, deixo o convite: bram a porta, se se atreverem, e deixem-na fechar-se estrondosamente. Para quem passa esta fronteira não há retorno.

Filmes escolhidos:

• “O Gabinete do Dr. Caligari” (Das Cabinet des Dr. Caligari, 1920) de Robert Wiene
• “A Janela Indiscreta” (Rear window, 1954) de Alfred Hitchcock
• “A Vítima do Medo” (Peeping Tom, 1960) de Michael Powell
• “O Anjo Exterminador” (El Ángel Exterminador, 1962) precedido de “Um Cão Andaluz” (Un Chien Anadalou, 1929) [curta-metragem] de Luis Buñuel
• “Jeanne Diealman, 23 Quai du Commerce, 1800 Bruxelles” (1975) de Chantal Akerman
• “Satan’s Tango” (Sátántangó, 1994) de Béla Tarr
• “Julien Donkey-boy” (1999) de Harmony Korine
• “O Fantasma” (2000) de João Pedro Rodrigues
• “Bug” (Bug, 2006) de William Friedkin

Sessão Especial:

• “Veludo Azul” (Blue Velvet, 1986) + “Estrada Perdida” (Lost Highway, 1997) de David Lynch

“O meu ciclo”, por Luís Ferraz

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Ciclos, Cinema, Cinema Português, Manuel de Guimarães

Manuel de Guimarães

por Luís Ferraz
autor do blog Improviso Ensaiado

Falar no cinema de Manuel Guimarães não é de todo fácil, já que é um autor que devido a conflitos interiores e exteriores não pôde dar de si o melhor que podia.

Tantos anos a trabalhar em publicidade certamente que só poderiam resultar em alguma influência no seu cinema como por exemplo em A Costureirinha da Sé, contudo não houve ninguém neste país que me conseguisse fazer gostar de um filme português com tantos traços neo-realistas como ele o fez em O Crime da Aldeia Velha.

Um dos motivos pelo qual recaiu a minha escolha no homem que foi assistente de realização de Arthur Duarte e Fernando Lopes Ribeiro para o meu ciclo, é que hoje quando se fala no Cinema Novo Português, os primeiros cineastas a quem apontamos o dedo é Paulo Rocha e Fernando Lopes. Se continuarmos a enumerar autores desta vanguarda, Manuel Guimarães deve aparecer lá para o fim da lista, ficando na sombra de muitos autores que não passaram pela censura e que não viram os seus filmes levarem cortes incríveis do lápis azul como fizeram a Manuel Guimarães, que lhe deixaram apenas metade do filme em Vidas Sem Rumo.

Como meu ciclo, escolho muita da filmografia deste autor, que durante imensos anos, viveu no meu Porto, onde aliás foi o assistente de realização de Aniki-Bóbó, único filme que não é dele que acabei por também escolher para o meu ciclo. Pai de um poeta e também cineasta e sogro de uma das maiores poetisas portuguesas.

Filmes escolhidos:

• “Aniki-Bóbó” (1942) de Manoel de Oliveira
• “O Desterrado – Vida e Obra de Soares dos Reis” (1950) [curta metragem documentário]
• “Saltimbancos” (1952)
• “Nazaré” (1952)
• “Vidas Sem Rumo” (1956)
• “A Costureirinha da Sé” (1959)
• “Porto, Capital do Trabalho” (1961) [documentário]
• “Barcelos” (1961) [documentário]
• “O Crime da Aldeia Velha” (1961)
• “O Trigo e o Joio” (1964)
• “O Porto, Escola de Artistas” (1967) [curta metragem, documentário]
• “O Ritmo na Vida” (1968) [curta metragem, documentário]
• “Tráfego e Estiva” (1968) [curta metragem, documentário]
• “Fernando Namora” (1969) [curta metragem, documentário]
• “António Duarte” (1969) [curta metragem, documentário]
• “Resende” (1970) [curta metragem, documentário]
• “Lotação Esgotada” (1972)
• “Areia Mar – Mar Areia” (1973) [documentário]
• “Cântico Final” (1976)

“O meu ciclo”, por Pedro Pereira

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Ciclos, Cinema, Ninjas

Ninjasmania

por Pedro Pereira
co-autor do blog Por um Punhado de euros

Aqueles que melhor me conhecem saberão que amo profundamente o dito cinema série-B. Uma relação que vem desde os anos noventa em que frequentemente fazia romaria aos videoclubes da cidade de Portalegre, que estavam pejados de filmes do género. De entre a muita tralha que ficou desses tempos reavivo hoje uma, a «ninja-mania». Nas palavras sábias de Sho Kosugi: «Only a ninja can stop a ninja!»

Reza a história que em inícios da década de oitenta, a 20th Century Fox preparava a produção de um filme de ninjas, que até já nem era bem uma novidade visto ter sido uma ideia explorada anos antes por Sam Peckinpah, em “The Killer Elite”. Mas o segredo escapou-se e os espertalhões da Cannon apressaram-se a antecipar a jogada. Para o efeito, Menahem Golan contrata a estrela do western-spaghetti, Franco Nero, e torna o impossível realidade: o primeiro grande ninja do cinema é interpretado por um italiano louro de olhos azuis e com bigode!

“Enter the Ninja”, titulo obviamente plagiado do clássico das artes-marciais, “Enter the Dragon”, foi um grande sucesso e a «ninja-mania» começou a ser uma realidade. De tal forma que a franquia continuou nos anos seguintes, agora sob as mãos mais habilidosas de Sam Firstemberg, que completaria uma trilogia sem qualquer encadeamento entre capítulos. Primeiro com “Revenge of the Ninja” e depois com o misticismo estapafúrdio de “Ninja III: The Domination”, o mais divertido da saga.

O peixe rendia e a Cannon magicou uma reinvenção da saga anterior, agora sob o mote “American Ninja”, que renderia cinco capítulos de qualidade variável, claro está. Consta que a génese da coisa tinha Joseph Zito na cadeira de realizador e Chuck Norris no papel principal, mas o projecto não avançou e é novamente Firstemberg a pegar nas shurikens. Norris saiu de cena e é um tal de Michael Dudikoff – que percebia tanto de artes-marciais como eu de tosquia de ovelhas – a ficar com o papel. Ironia do destino Dudikoff ficaria famoso graças à personagem e ganhou nome entre os apreciadores do circuito «direct to vídeo». Havendo mesmo uma facção que reclama a sua entrada num dos próximos capítulos de “The Expendables”.

Em meados de oitenta o sub-género rendia tão bem que também até na TV houveram ataques de ninjutsu, isto quando a NBC resolve apostar em “The Master”, uma série sobre um militar americano que aprendeu as técnicas ancestrais depois da segunda guerra mundial. Mais uma vez uma velha estrela do western-spaghetti é contratada para o papel: Lee Van Cleef!

Mas este sub-género do cinema de acção e das artes-marciais haveria porém de conhecer ainda exemplares mais deprimentes. Via Hong-Kong, receberíamos ainda as reciclagens mais mal enjorcados de que há memória (“Ninja Terminator”, “Ninja The Protector”). O método usado é no mínimo ultra-low-cost. Pegando em filmes de acção tailandeses, senhores como Godfrey Ho fizeram um corta e cola, tornando algo mau em algo péssimo. Curioso é que também nestes penosos capítulos da «ninja-mania» é uma velha estrela do western-spaghetti a ser recrutada: Richard Harrisson!

Apesar do decréscimo de qualidade, o género manteve-se vivo e em início dos noventa dá-se uma lufada de ar fresco com a chegada ao cinema das famosas “Teenage Mutant Ninja Turtles”. Acção embrenhada de gags hilariantes, foi fórmula de sucesso e mais dois filmes haveriam de aparecer nos anos seguintes, provocando alguma saturação entre os fãs.

A produção de filmes de ninjas desaceleraria nos finais de noventa mas não se pode dizer que tenha alguma vez sucumbido. Simplesmente mergulhou na sombra como um bom ninja que se preze, e de quando a quando somos novamente surpreendidos com mais uma entrada no género. Ainda não faz muito tempo foram os irmãos Wachowski a revisitar o género com “Ninja Assassin” e parece que até um reboot das tais tartarugas está em curso. Atrevem-se a descobrir o género?

Filmes propostos:

• “Assassinos de Elite” (The Killer Elite, 1975) de Sam Peckinpah
• “Ninja, o Imbatível” (Enter the Ninja, 1981) de Menahem Golan
• Revenge of the Ninja (1983) de Sam Firstenberg
• Ninja 3: The Domination (1984) de Sam Firstenberg
• “O Regresso do Ninja Americano” (American Ninja, 1985) de Sam Firstenberg
• “Um Ninja Americano” (American Ninja 2: The Confrontation, 1987) de Sam Firstenberg
• “Um Ninja Americano 3 ” (American Ninja 3: Blood Hunt, 1989) de Cedric Sundstrom
• “Ninja Americano 4” (American Ninja 4: The Annihilation, 1990) de Cedric Sundstrom
• American Ninja V (1993) de Bob Bralver
• Ninja Terminator (1985) de Godfrey Ho
• Ninja The Protector (1986) de Godfrey Ho
• “Tartarugas Ninja” (Teenage Mutant Ninja Turtles, 1990) de Steve Barron
• “Tartarugas Ninja II: O Segredo da Lama Verde” (Teenage Mutant Ninja Turtles II: The Secret of the Ooze, 1991) de Michael Pressman
• “Tartarugas Ninja III” (Teenage Mutant Ninja Turtles III, 1993) de Stuart Gillard
• Ninja (2009) de Isaac Florentine
• Ninja Assassin (2009) de James McTeigue

“O meu ciclo”, por David Lourenço

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Ciclos, Cinema, Val Lewton

As produções de Val Lewton na RKO

por David Lourenço
autor do blog O Narrador Subjectivo

Val Lewton teve em Hollywood a oportunidade de viver o sonho americano à sua maneira. Como muitos produtores da mesma era (os irmãos Warner da Polónia, Louis B. Mayer da Bielorússia, entre outros), o studio system foi uma oportunidade para seguir, desenvolver e enriquecer com a sua paixão pelo cinema mas também para se integrar no país que o acolheu, vindo de um canto da Europa.

No entanto, é seguro dizer que Lewton foi dos que teve mais altos e baixos. Depois de anos a trabalhar para David O. Selznick, maioritariamente como escritor fantasma, foi contratado em 1942 pela RKO para chefiar a sua nova secção de terror, onde teria de seguir três condições em cada projeto: os filmes teriam de custar menos de 150.000$, teriam de durar menos de 75 minutos e os títulos seriam escolhidos pelos seus superiores.

Assim surgiu uma série de onze filmes com um timbre peculiar e transversal a todos eles, a que se seguiu problemas na tentativa de transitar para outros géneros, desentendimentos com os realizadores Mark Robson e Robert Wise, que protegera e a quem permitira dar os primeiros passos, numa versão primária do que Roger Corman viria a fazer por Martin Scorsese ou Francis Ford Coppola, e problemas de saúde, que conduziram à sua morte prematura, com apenas 46 anos.

A pronunciada mudança de direcção da RKO e o baixo orçamento de Cat People são denunciados pela reciclagem dos cenários da mansão de The Magnificent Ambersons; o génio extravagante de Orson Welles cedia lugar ao génio mais subtil e sustentável, e talvez por isso menos notório, de Val Lewton. Reconhecíveis, nesse filme realizado por Jacques Tourneur, são algumas das características que permeiam os posteriores deste grupo, como a presença de protagonistas femininas fortes, a gestão do silêncio e o recurso a artifícios que já se tornaram clássicos neste tipo de cinema, desde as sombras à noite, ao som do vento ou ao misticismo para sugerir medo, o que resulta em imagens com uma atmosfera densa e de um negrume poético – realço a cena da piscina em Cat People, mas também a cena do cemitério em The Leopard Man e o discurso sobre poder do capitão em The Ghost Ship, que é totalmente um thriller psicológico.

Aliás, o fascínio com os mais bizarros destinos da mente humana é tão superior à tentativa de chocar, que nenhum destes filmes se resume a um monstro disforme ou a um acto de violência, e penso que é sintomático que em The Seventh Victim o duche de uma mulher seja interrompido apenas por uma conversa através da cortina da banheira, e não por um banho de sangue, como aconteceria 17 anos depois em Psycho.

Filmes aconselhados:

• “A Pantera” (Cat People, 1942) de Jacques Tourneur
• “Zombie” (I Walked With A Zombie, 1943) de Jacques Tourneur
• “O Homem Leopardo” (The Leopard Man, 1943) de Jacques Tourneur
• “The Seventh Victim” (1943) de Mark Robson
• “O Barco da Morte” (The Ghost Ship, 1943) de Mark Robson
• “Mademoiselle Fifi” (Mademoiselle Fifi, 1944) de Robert Wise
• “A Maldição da Pantera” (The Curse Of The Cat People, 1944) de Robert Wise
• “Youth Runs Wild” (1944) de Mark Robson
• “O Túmulo Vazio” (The Body Snatcher, 1945) de Robert Wise
• “A Ilha dos Mortos” (Isle Of The Dead, 1945) de Mark Robson
• “A Casa Sinistra” (Bedlam, 1946) de Mark Robson

“O meu ciclo”, por Francisco Rocha

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Ciclos, Cinema, Escola de Barcelona

A Escola de Barcelona

por Francisco Rocha
autor do blog My Two Thousand Movies

O blog do JC é provavelmente o único blog da blogosfera portuguesa com um formato idêntico ao meu, por isso quando ele me convidou para participar nesta sua rubrica, era mais do que obrigação minha corresponder, o que faço com toda a honra.

Quem conhece o meu blog, deve saber que por lá já passaram muitas dezenas de ciclos. Já vou com quase cinco anos da minha saga dos Thousand Movies. Foram muitos os ciclos que me deram prazer em fazer, desde o Cinema Chinês ou Sóviético, até ao Film Noir, passando pelos filmes de terror, mas senti que para este desafio devia fazer algo diferente. Ocorreu-me então um pequeno movimento que já tinha abordado dentro de um outro ciclo que fiz (o do cinema espanhol – ciclos dentro de ciclos, é uma das minhas marcas).

Este movimento em questão, chama-se “Escola de Barcelona”. Datado da década de 60, era um movimento cinematográfico nascido com o mesmo espiríto de rebelião que a Nouvelle Vague, ou o Free Cinema inglês.

A principal influência da escola de Barcelona era mesmo a Nouvelle Vague, influenciada em parte pela repressão franquista, com os intelectuais catalães ansiosos para alcancarem uma libertade criativa a que o governo se opunha. O seu contemporâneo cinema espanhol era chamado de cinema mesetario. Este, era um cinema “centralista” que era feito em Madrid, e de onde saíram nomes como Bardem, Berlanga, ou o que mais tarde seria denominado de Novo Cinema Espanhol, com Carlos Saura à cabeça.

De certa forma, a obscuridade da Escola era conduzida pela crença comum de que os filmes que se faziam na altura só falavam de interesses locais e que, mesmo assim, faziam-no de forma imperfeita. Faltava o militante nacionalismo catalão, que se tornou ascendente alguns anos depois, ou o realismo social característico do Novo Cinema Espanhol (NCE). A Escola de Barcelona não poderia ser colocada em qualquer um dos principais campos de oposição da região.

Auto-intitulada como de esquerda (proclamando a sua influência francesa, e também fazendo referência às reuniões no mítico Bocaccio de Barcelona), a Escola de Barcelona foi um termo usado repetidamente por Ricardo Muñoz Suay da revista Fotogramas, que aglutinava todos os produtores ansiosos movidos pela burguesia da capital catalã. O grupo era formado de forma mais ou menos consciente por realizadores e produtores como: Vicente Aranda (o nome mais importante), Jacinto Esteva, Joaquim Jordá, Carlos Durán, José Maria Nunes (um português radicado em Barcelona), Ricardo Bofill, Jorge Grau, Pere Portabella, Jaime Way, Llorenç Soler e Gonzalo Suárez, Roman Gubern e Juan Amorós. De todos eles, Portabella e Esteva eram os seus principais produtores. Alguns dos realizadores deste movimento só fariam as suas obras mais importantes já nos anos 80.

Desta Escola de Barcelona viria também a surgir um dos festivais de cinema fantástico mais importantes do mundo, o de Sitgés (mas isso é outra história).

Não é fácil obter acesso destes filmes, já que na maioria são obras bastante underground. Só tenho quatro destas obras, mas penso que poderão ver alguns no You Tube. Vale a pena descobrir!

Filmes aconselhados:

• “Mañana” (1957) de José Maria Nunes
• “Día de Muertos” (1960) de Joaquim Jordà
• [Left-Handed Fate] (Fata Morgana, 1965) de Vicente Aranda
• “Raimon” (1966) de Carlos Durán [curta-metragem]
• [Dante is not Simply Harsh] (Dante no es Únicamente Severo, 1967) de Jacinto Esteva
• [The Exquisite Cadaver] (Las Crueles, 1969) de Vicente Aranda
• “Liberxina 90” (1970) de Carlos Durán (supostamente o último filme do movimento)

“O meu ciclo”, por Victor Afonso

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Ciclos, Cinema, Futuro Distópico

O Futuro Distópico

por Victor Afonso
autor do blog O Homem que sabia Demasiado

Utopia e distopia, dois conceitos diferentes mas que sempre tiveram grande repercussão na história do cinema. Mais fascinante do que a utopia, é a distopia, caracterizada por uma abordagem apocalíptica do homem e da vida, por narrativas pessimistas expostas num futuro sem esperança e, não raras vezes, manietado pela supremacia malévola da tecnologia.

Nos filmes distópicos, o homem é um elemento alegórico da sua verdadeira natureza, uma espécie de fantoche manipulado por forças totalitárias, negras e ocultas (ou nem tanto) que o condenam a uma existência errante e de sobrevivência. O Estado e os seus interesses sócio-políticos, que oprimem a vontade individualista do homem e o transforma numa massa disforme, representam apenas uma das facetas dos filmes distópicos. A outra faceta é a vertente menos benéfica das invenções técnicas e tecnológicas que tornam o homem escravo e um ser alienado no seio de uma sociedade regida por regras bizarras e castradoras da liberdade. Uma sociedade perigosa, totalitária e violenta.

Sim, a maior parte dos filmes distópicos são catalogados no género de ficção científica futurista, mas a verdade é que revelam elementos da realidade concreta do presente quotidiano.

Filmes aconselhados:

• “Metropolis” (Metropolis, 1927) de Fritz Lang
• [The Pier] (La Jetée, 1962) de Chris Marker (curta-metragem)
• “O Processo” (The Trial, 1962) de Orson Welles
• “Alphaville” (Alphaville: Une étrange aventure de Lemmy Caution, 1965) de Jean-Luc Godard
• “Grau de Destruição” (Fahrenheit 451, 1966) de François Truffaut
• “Laranja Mecânica” (A Clockwork Orange, 1971) de Stanley Kubrick
• “THX 1138” (THX 1138, 1971) de George Lucas
• “O Herói do Ano 2000” (Sleeper, 1973) de Woody Allen
• “No Céu Tudo É Perfeito” (Eraserhead, 1977) de David Lynch
• “Stalker” (Stalker, 1979) de Andrei Tarkovsky
• “Blade Runner – Perigo Iminente” (Blade Runner, 1982) de Ridley Scott
• “Experiência Alucinante” (Videodrome, 1983) de David Cronenberg
• “1984” (1984, 1984) de Michael Radford
• “Brazil – O Outro Lado do Sonho” (Brazil, 1985) de Terry Gilliam
• (Waiting for Godot, 2001) de Michael Lindsay-Hogg

“O meu ciclo”, por Rafael Santos

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Ciclos, Cinema, Tsai Ming-liang

Tsai Ming-liang

por Rafael Santos
autor do blog Memento Mori

A Segunda Nova Vaga, movimento artístico que germina no início dos anos 1990, conta com Tsai Ming-liang como um dos seus principais precursores.

Fiéis à essência da corrente artística, os filmes do realizador malaio retratam a vida urbana em Taiwan, focando-se na sua ocupação por determinadas personagens ou na relação entre estas. Uma íntima perspectiva desta população, apoiada por uma maior aproximação à realidade propriamente dita. Temas honestos que não se encaixam numa narrativa convencional mas sim num percurso naturalista.

Tsai Ming-liang apoia esta noção naturalista com a representação dos seus actores, que deambulam defronte à câmara como se esta não fosse mais do que um objecto invisível que não os impede de levar a cabo a rotina diária. A atitude da câmara passa por aguardar pela entrada em campo das personagens, como se estando a par de todos os seus movimentos de forma antecipada.

Vários são os indivíduos que podem servir de amostra para a vida vivida em Taiwan mas o realizador contemporâneo retrata essa fatia do Mundo à escala das suas personagens, como se os espaços que habitam fizessem parte integrante de si próprios.

Conflitos políticos, crescente urbanização, luta constante perante a pobreza, são apenas alguns dos pontos aprofundados por Ming-liang. A água é um elemento frequentemente usado nos seus filmes. Este motivo recorrente espelha um mau sistema de canalização, do qual resultam inundações em pequena escala, nomeadamente no apartamento das personagens (Rebels of the Neon God; The River; The Hole; Face). Este elemento ganha um protagonismo alargado quando se pinta de poluição (The Hole) ou se dá o seu escasseamento (The Wayward Cloud).

O seu cinema atribui especial importância ao som ambiente, rejeitando o uso de banda-sonora, com excepção ao som diegético. Ainda neste aspecto, é notório o desenrolar de momentos musicais (The Hole; The Wayward Cloud; Face), que ilustram determinados estados de espírito das personagens. Esta é apenas uma das formas de tratamento que o realizador encontrou para retratar situações que se dizem banais e óbvias na sua essência e na sua afirmação perante o Mundo.

Tsai Ming-liang explora uma sétima arte que tanto bebe do lago de Andrei Tarkovsky, ao apresentar planos fixos extremamente longos. Enquadramentos que abrem uma janela para as personagens sentirem que podem demorar o tempo necessário a completar determinada acção, o que acaba por intensificar a naturalidade na arte de representar. Momentos íntimos que reflectem acções do dia-a-dia e que funcionam como imagens universais, são enquadrados em todos os filmes que compõem a sua obra. Momentos que reflectem a sociedade e que são rejeitados pelo espectador mais comercial, que não se dirige à sala de cinema para observar determinado indivíduo em pleno processo de alívio na sanita.

Os planos longos aproximam-se da realidade ao retratar uma passagem de tempo facilmente assemelhável a esta. Esta longevidade nos planos atinge o seu auge no 6º filme da sua carreira, Goodbye, Dragon Inn. No referido filme, a personagem feminina apresenta-se com uma deficiência que a impossibilita de caminhar a um ritmo normal. Através de uma montagem cuidada, observamos vários planos longos a cobrir todo o percurso desta personagem.

Sendo talvez o exemplo mais minimalista da sua carreira, o filme é igualmente exímio na sua ausência (quase) total de diálogos, outro elemento bastante característico do cerne do seu cinema. É requerida uma maior verdade não no acto da palavra mas sim no movimento e interacção dos corpos. Esta falta de comunicação no sentido restrito da palavra é igualmente explorada. Na longa-metragem The Hole, este défice de comunicação é objectificado através de um pequeno buraco que separa dois estranhos que entram em colisão e que se descobrem como necessários um ao outro.

Em muitos dos seus filmes, a comunicação dá-se por intermédio do acto sexual. O explorar da sexualidade e a busca por amor são alguns dos motivos a catapultar a jornada das personagens. Em certos instantes, as personagens cruzam-se no enquadramento sem noção de que são de igual importância para o espectador, que pode ou não reconhecer tal como coincidência. Tsai Ming-liang retrata relações entre estranhos, momentos efémeros que se podem revelar de elevada importância numa existência.

“I feel I belong neither to Taiwan nor to Malaysia. In a sense, I can go anywhere I want and fit in, but I never feel that sense of belonging.” Palavras do realizador malaio que são transmitidas em imagens em alguns dos seus filmes, ainda que em personagens enraízadas em apartamentos. Uma dessas personagens, Hsiao-Kang, cresce no mundo diegético do realizador. Interpretada por Lee Kang-sheng, esta personagem participa em todos os seus filmes e afirma-se como o seu alter-ego. Tal como o próprio actor o faz, também Ming-liang deposita na personagem várias das suas próprias vivências, dúvidas e esperanças.

Estabelece um percurso para este seu actor/personagem fetiche, iniciando-o em 1992 ainda em idade jovem, com uma vida vazia e em busca de sentido, no filme Rebels of the Neon God. Promove-se a uma tentativa de suicídio (Vive l’Amour), sofre no corpo a separação dos pais (The River), lida com a morte da figura paterna (What time is it there?), embrenha-se na dura realidade da vida (/strong>The Wayward Cloud) e volta a observar a morte de perto, desta vez espelhada na sua mãe (Face).

Através desta personagem, o realizador critica a própria indústria na qual desempenha funções. Hsiao-Kang vê a sua ida ao cinema negada (Rebels of the Neon God), representa um pequeno papel num filme (The River), descobre o cinema de François Truffaut (What time is it there?) e acaba a trabalhar como projeccionista num cinema que apresenta a sua última sessão antes de fechar portas (/strong>Goodbye, Dragon Inn). Antes de se tornar o realizador que tanto ambicionou (Face), experimenta na pele o lado sujo da indústria cinematográfica ao representar num filme pornográfico. Apreende as verdades da vida com a sétima arte como pano de fundo.

Extremamente consistente na sua carreira, Tsai Ming-liang continua a retratar Taiwan mediante um conjunto de características que tão bem soube reunir e salientar através da lente da câmara. Fã confesso de Truffaut, o realizador continua a ganhar um relevo internacional cada vez maior.

Filmes de Tsai Ming-liang:

• “Os Rebeldes do Deus Neon” [Rebels of the Neon God] (Qing shao nian nuo zha, 1992)
• [Vive l’Amour] (Ai qing wan sui, 1994)
• “O Rio” [The River] (He liu, 1997)
• The Hole] (Dong, 1998)
• [What time is it there?] (Ni na bian ji dian, 2001)
• “Adeus, Dragon Inn ” [Goodbye, Dragon Inn] (Bu san, 2003)
• “O Sabor da Melancia” [The Wayward Cloud] (Tian bian yi duo yun, 2005)
• “Não Quero Dormir Sozinho” [I Don’t Want to Sleep Alone] (Hei yan quan, 2006)
• [Face] (Visage, 2009)