Universos Paralelos – 7 – Bem-vindo ao deserto do real dos Wachowskis

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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.

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Universos Paralelos – 7 – Bem-vindo ao deserto do real dos Wachowskis

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Segunda-feira, dia 23 de Julho chega o sétimo episódio de Universos Paralelos, como sempre no podcast Segundo Take, e com a autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).

Desta vez o explora-se o deserto do real da forma como os irmãos Wachowski nos deram a conhecer as fronteiras entre realidade e virtual, na série Matrix. O episódio poderá ser encontrado aqui:

 

Bem-vindo ao deserto do real dos Wachowskis

“Bem-vindo ao deserto do real”. Com estas palavras ditas por Morpheus a Neo, somos lançados numa das trilogias mais marcantes que a 7ª Arte nos tem para oferecer.

Em 1999, os irmãos Wachowskis, Andy e Larry – agora Lilly e Lana, respectivamente – apresentaram ao grande público um filme que se tornaria um dos filmes mais discutidos nos círculos académicos filosóficos desde o “Vontade Indómita” (The Fountainhead, 1949) de King Vidor ou “O Sétimo Selo” (Det sjunde inseglet, 1957) de Ingmar Bergman. Tal como no tratado de Jean Baudrillard, “Simulacres et Simulation” (1981), de onde a linha de diálogo supra referida é retirada, “Matrix” procura examinar as relações entre realidade, símbolos, e sociedade, em particular os significados e simbolismo da cultura e dos media que estão envolvidos na construção de um entendimento de uma existência partilhada. No tratado, os simulacros são cópias que representam coisas que nunca tiveram um original, ou que deixaram de ter um. No filme, o simulacro não é uma cópia do real, mas torna-se verdadeiro no seu próprio direito: o hiper-real; ou seja, a incapacidade da consciência distinguir entre a realidade e uma simulação da realidade. Uma simulação é a imitação das operações de um processo do mundo real ou sistema ao longo do tempo.

Os Wachowskis, intencionalmente, procuram desestabilizar o espectador com estas questões. Numa entrevista, disseram candidamente que queriam colocar as grandes questões do Homem num só filme. Revelou-se um projecto ambicioso que viria a crescer para uma trilogia (posteriormente estrearam: “The Matrix Reloaded” (The Matrix Reloaded, 2003) e “Matrix Revolutions” (The Matrix Revolutions, 2003)). Como sugerido por Slavoj Žižek, Matrix é um verdadeiro teste de Rorschach para teses filosóficas: existencialismo, Marxismo, feminismo, Budismo, niilismo, pós-modernismo, … É possível encontrar, praticamente, qualquer ismo nesta trilogia. No entanto, algumas questões apresentam-se como centrais: O que posso saber? O que devo fazer? O que posso esperar? O que é real? O que é a felicidade? O que é a mente? O que é a liberdade, e será que a temos? É a inteligência artificial possível?

Aparte das questões que os filmes suscitam, esta trilogia também representa um salto bastante relevante dentro do género cinematográfico dos filmes de acção. Repleto de inovações técnicas que permitem aos actores desafiar as leis da gravidade (evidenciando o contraste entre as cenas do mundo actual e as do mundo virtual – “there is no spoon” – como é dito a Neo, pois a Matrix apesar de não ser de forma senciente distinguível do real, não deixa de ser constituída por linhas de código e mudando isso – no filme isso implica mudar-se a si mesmo –, muda-se a realidade aparente, permitindo a Neo parar balas, voar ou saltar entre prédios), como é o caso da bullet time, Matrix aproxima-se de um cinema de artes marciais clássico com técnicas modernas; funde lutas coreografadas e a utilização de fios presos aos actores para simular capacidades sobre-humanas (também conhecido como Qinggong) dentro de um mundo virtual para contrastar múltiplas realidades. Cinematograficamente falando este contraste encontra-se na escolha das cores: predominância do verde no virtual e do azul no real. Notemos ainda que o que é representado como realidade virtual não recorre (ou recorre pouco) ao digital, ao passo que o que é representado como realidade actual é, em contrapartida, sistematicamente produzido com imagens digitais. A realidade actual é negra, suja e desesperante, enquanto que a realidade virtual é colorida, limpa e no fundo, feliz. Compreende-se a posição de Cypher: “After nine years, you know what I realize? Ignorance is bliss.” Incapaz de distinguir duas realidades, mas vale viver naquela em que somos felizes.

Ainda com o intuito de aumentar o universo de Matrix e preencher algumas lacunas presentes nos filmes, os Wachowskis produziram uma antologia de curtas metragens de animação denominada de “The Animatrix” (The Animatrix, 2003). A antologia contém detalhes da história do universo Matrix, incluindo a guerra original entre homem e máquina que levou à criação da Matrix. Conta com convidados de renome como: Shinichirō Watanabe (Cowboy Bebop) ou Peter Chung (Æon Flux)

Filho do cyberpunk, Matrix é uma série de filmes que carrega a tocha bem acesa desse subgénero da ficção científica. Apresenta-se como vários filmes de acção, mas que inevitavelmente suscitam em nós várias questões de grande importância. Aqui, neste pequeno texto, procurei reflectir mais sobre a questão do real, mas a título de possível interesse, deixo outros três problemas filosóficos, presentes neste universo, que aconselho o devido aprofundamento: (i) a alegoria da caverna de Platão, (ii) o dualismo cartesiano corpo-alma e (iii) o problema de Molyneux.

Bons visionamentos, boas leituras, e vemo-nos do outro lado da toca do coelho.

Tomás Agostinho, Julho de 2018.

 

Fontes primárias

Filmografia

• Matrix (The Matrix, 1999)
• The Matrix Reloaded (The Matrix Reloaded, 2003)
• Matrix Revolutions (The Matrix Revolutions, 2003)
• The Animatrix (The Animatrix, 2003)

Fontes secundárias

Bibliografia

• Irwin, W., ed., (2002). The Matrix and Philosophy: Welcome to the Desert of the Real. Chicago: Open Court Publishing Company.

Documentários

• Philosophy and the Matrix – Return to the Source (Josh Oreck, 2004, Warner Brothers) (https://vimeo.com/53000177)
• The Hard Problem: The Science Behind the Fiction (Josh Oreck, 2004, Warner Brothers) (https://www.youtube.com/watch?v=h3tmaJnK8l0).

Outras referências

Filmes

• Metrópolis (Metropolis, Fritz Lang, 1927)

Livros

• Alice no País das Aventuras (Lewis Carroll, 1865) [edição portuguesa: Livraria Civilização Editora, 2015]
• A República (Platão, séc IV a.C) (http://www.eniopadilha.com.br/documentos/Platao_A_Republica.pdf)
• O Discurso do Método (René Descartes, 1637) (http://www.intratext.com/X/POR0305.HTM)
• Neuromancer (William Gibson, 1984)
• Simulacros e Simulação (Jean Baudrillard, 1981) [edição portuguesa: Relógio d’Água, 1991]

Universos Paralelos – 6 – O futuro distópico de Terry Gilliam

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Universos Paralelos – 6 – O futuro distópico de Terry Gilliam

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Segunda-feira, dia 18 de Junho, chega o sexto episódio de Universos Paralelos, no podcast Segundo Take, da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).

Desta vez teremos “algo completamente diferente”, as incursões no futuro distópico de cenários retrofuturistas imaginados por Terry Gilliam. O programa poderá ser encontrado aqui:

 

Nascido nos Estados Unidos em 1940, e mais tarde naturalizado inglês, renunciando mesmo à nacionalidade norte-americana, Terrance Vance Gilliam tornou-se conhecido no mundo do espectáculo audiovisual por ser um dos seis elementos da célebre troupe de comediantes Monty Python, que em 1969 começaram a surpreender o mundo com o seu programa de televisão “Monty Python’s Flying Circus” (BBC, 1969-1974).

Tal como os seus parceiros “pythonianos”, Terry Gilliam ostentava uma educação superior (Mestrado em Ciências Políticas) quando decidiu seguir a carreira artística, dando expressão à sua paixão pelo desenho e animação. Foi como animador e desenhador de banda desenhada na revista “Help!” que Gilliam iniciou a carreira nas artes gráficas, e quando esta fechou, rumou a Inglaterra, onde acabou a desenhar para televisão, nomeadamente no programa “Do Not Adjust Your Set” (1967-1969), onde conheceu os futuros Python Eric Idle, Michael Palin e Terry Jones.

Nos Monty Python, Gilliam foi o responsável pelos elos de ligação animados entre sketches, que combinavam na perfeição com os cortes abruptos pretendidos no humor da série, e onde usava de um surrealismo de associação livre, humor negro e imaginário grotesco, feito de colagens, e recorrendo a conhecidas obras de arte e fotografias antigas, o que resultou num estilo muito próprio e ainda hoje inconfundível.

Aos poucos, Gilliam passou a ter um pouco mais de peso como actor e autor de sketches (principalmente na quarta temporada da série — aquela em que John Cleese tirou um ano de sabática —, e também nas actuações de palco), mas a sua contribuição, como se veria na passagem ao cinema, seria sobretudo na definição da imagem do grupo. Com essa vertente em mente, Gilliam assumiu a direcção (a meias com Jones) do filme “Monty Python e o Cálice Sagrado” (Monty Python and the Holy Grail, 1975), um filme que lida com temas históricos e fantasia, desconstruídos com o habitual humor corrosivo dos Python, num rumo que Gilliam prosseguiria nas suas obras a solo: “Aventuras em Terras do Rei Bruno, o Discutível” (Jabberwocky, 1977), “Os Ladrões do Tempo” (Time Bandits, 1981) e “A Fantástica Aventura do Barão” (The Adventures of Baron Munchausen, 1988), qualquer um deles com um ou mais Pythons presentes no elenco.

Após a realização da curta-metragem “The Crimson Permanent Assurance”, incluída em “O Sentido da Vida” (Monty Python’s The Meaning of Life, 1983), os Python seguiram caminhos separados, com Gilliam a mostrar que, dos seis, era o mais talhado (e motivado) para a carreira de realizador.

Em 1985, Terry Gilliam teria aquele que foi talvez o seu primeiro grande sucesso junto da crítica, com “Brazil: O Outro Lado do Sonho”, um filme que também escreveu, e que segundo o próprio faz parte da “Trilogia da Imaginação”, que compreende ainda “Os Ladrões do Tempo” e “A Fantástica Aventura do Barão”, e que passa por testemunhos do mundo através dos olhos de personagens deslocadas, à beira da loucura, ou em desespero (uma criança em “Os Ladrões do Tempo”, um adulto em “Brazil” e um idoso em “A Fantástica Aventura do Barão”). “Brazil” é, acima de tudo o primeiro dos filmes do que chamamos o futuro distópico de Terry Gilliam, uma espécie de conto “orwelliano” sobre uma sociedade futura, totalitária, presa a valores de pesadelo, sejam a extrema burocracia, a claustrofobia ou as idiossincrasias da classe dominante. Tudo nele é grotesco e surreal, numa pesada atmosfera de opressão, de que fugir parece ser a única opção sã.

Fuga da realidade, fronteira entre a sanidade e demência, futuro horrífico distópico é também o tema de “12 Macacos” (Twelve Monkeys, 1995), o segundo filme da “Trilogia Americana” — que compreende ainda “O Rei Pescador” (The Fisher King, 1991) e “Delírio em Las Vegas” (Fear and Loathing in Las Vegas, 1998) —, um remake do clássico de Chris Marker “La Jetée” (1962), e que nos tece uma complexa trama de viagens no tempo, numa história de inevitabilidade trágica, entre um futuro pós-apocalíptico e um presente não menos são, pelo menos para quem o vê com os olhos dos personagens de Gilliam.

Esta obsessão distópica por um futuro grotesco e surreal volta em “O Teorema Zero” (2013), um novo conto de solidão e disfunções sociais, num mundo ininteligível aos nossos olhos, onde tudo e nada parecem apontar para o completo absurdo do sentido da vida (novamente o piscar de olhos à história dos Monty Python).

José Carlos Maltez, Fevereiro de 2018

 

Fontes primárias

Filmografia

• Brazil: O Outro Lado do Sonho (Brazil, 1985)
• 12 Macacos (Twelve Monkeys, 1995)
• O Teorema Zero (The Zero Theorem, 2013)

Fontes secundárias

Bibliografia

• Gilliam, T., Christie, I. (1999) Gilliam on Gilliam. London: Faber and Faber.
• McCabe, B.; Gilliam, T. (illustrations) (1999) Dark Knights and Holy Fools: The Art and Films of Terry Gilliam: From Before Python to Beyond Fear and Loathing. Darby, PA: Diane Publishing Co.
• Gilliam, T. (2015) Gilliamesque: A Pre-posthumous Memoir. London: Harper Design.

Websites

• Terry Gilliam (http://terrygilliamweb.com/)
• Dreams – The Terry Gilliam fanzine (http://www.smart.co.uk/dreams/home.htm)

Documentários

• Terry Gilliam: Career in 40 Minutes (Total Film, 2014) (https://www.youtube.com/watch?v=boxxgJIwbtc)
• Inside the Head of Terry Gilliam (inteligence2, 2015) (https://www.youtube.com/watch?v=RfOSeMa0tmU)

Universos Paralelos – 5 – A guerra das estrelas de George Lucas Ep. 1

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Pode ouvir aqui o quinto episódio de Universos Paralelos:
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.

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Universos Paralelos – 5 – A guerra das estrelas de George Lucas Ep. 1

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Segunda-feira, dia 21 de Maio, chega o quinto episódio de Universos Paralelos, no podcast Segundo Take, da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).

É a vez de abraçarmos o universo criado por George Lucas na saga Star Wars, que vamos dividir em três partes, a primeira abarcando a construção do universo que decorreu desde 1973 a 1999, e que poderá ser encontrada aqui:

 

A guerra das estrelas de George Lucas Ep. 1

Pré 1973: Um universo sem guerras nas estrelas

Imaginem, se conseguirem, um mundo sem “A Guerra das Estrelas”. Bem sei que neste momento parece impossível, no entanto tempos houve em que a omnipresença da marca “Star Wars” — entretanto, fomos proibidos de usar o título em português, proibição que me dá especial prazer ignorar — não se fazia sentir, simplesmente porque não existia. O panorama da ficção científica (de pendor mais científico ou de fantasia), depois dos anos formativos do género enquanto expressão na sétima arte, vivia dividido entre a ponderação filosófica que Stanley Kubrick ofereceu em 1968 com “2001: Odisseia no Espaço” (2001: A Space Odyssey) e o escapismo de orçamento relativamente contido e estética duvidosa de filmes como “Fuga no Século XXIII” (Logan’s Run, Michael Anderson, 1976).

Não obstante o filme de Kubrick, este género ainda não tinha ganho o respeito que lhe era devido, e era encarado com desdém pelo mainstream, sendo normalmente apontado a públicos adolescentes de nicho. Em 1971, George Lucas estreou-se na realização de longas-metragens com “THX 1138”, uma obra quase experimental de ficção científica que expandia o seu filme de estudante na USC (University of Southern California). Depois de evitar a descida pessoal aos infernos, ao desistir da realização de “Apocalypse Now” — no que seria uma abordagem radicalmente diferente do que Francis Ford Coppola acabou por fazer —, Lucas revisitou a sua infância em 1973 com “American Graffiti: Nova Geração”. Quando este filme estreou, o norte-americano nascido a 14 de Maio em Modesto, na Califórnia, tinha já começado a escrever aquele que seria o seu próximo projecto: uma aventura espacial baseada numa variedade de filmes, bandas desenhadas e séries televisivas que o tinham impressionado nos seus anos formativos.

1973-1976: O nascimento de uma nova esperança

As influências de Lucas na criação da sua ópera espacial são sobejamente conhecidas, porém incontornáveis. A estrutura narrativa deve muita da sua inspiração ao filme de 1958 de Akira Kurosawa com o título internacional “The Hidden Fortress” (Kakushi-toride no san-akunin), e o conceito de aventuras no espaço deve muito a Flash Gordon, tanto a tira de banda desenhada de Alex Raymond como as suas episódicas aventuras cinematográficas das décadas de trinta e quarenta. “Metropolis” (Fritz Lang, 1927), “A Desaparecida” (The Searchers, John Ford, 1956), “Tora! Tora! Tora!” (Richard Fleischer, Kinji Fukasak, Toshio Masuda, 1970), “Esquadrilha Heróica” (The Dam Busters, Michael Anderson, 1954) e as bandas desenhadas “Weird Fantasy”, “Weird Science”, “Shadow Comics” ou “Amazing Stories” são apenas alguns dos muitos exemplos adicionais de obras que podem também ser listados como tendo permeado a criação do universo em fase embrionária.

Por incrível que possa parecer (mais uma vez), o universo de A Guerra das Estrelas não nasceu totalmente formado e cristalizado. Entre 1973 e 1976, Lucas criou, alterou, experimentou e voltou a alterar (por vezes de forma radical) ideias, personagens, locais, mitologias e acontecimentos narrativos numa busca constante pela criação perfeita. Neste processo fascinante podemos ter um vislumbre do acto criativo de uma mente fervilhante no pico da sua imaginação. Alguns conceitos importantes aparecem imediatamente no rascunho de sinopse datado de 1973, “Journal of the Whills”, como a Ordem Jedi e o Império Galáctico. Desde esse momento, entre os primeiros rascunhos intitulados “The Star Wars” (1973-1974) e as várias versões do argumento em que os títulos reflectem a natureza episódica que se revelou no processo de escrita — Adventures of the “Starkiller. Episode I: The Star Wars” (1975), “The Star Wars: From the Adventures of the Starkiller” (1975), “The Adventures of Luke Starkiller as Taken from the ‘Journal of the Whills’ (Saga I) Star Wars” (1976) — os elementos da história foram surgindo e tomando forma com a ajuda do trabalho de uma equipa de artistas, incluindo os decisivos desenhos conceptuais de Ralph McQuarrie. Luke Skywalker começou por ser um General envelhecido; o herói começou por ser Annikin Starkiller, um Jedi-bendu; a princesa Leia deu lugar a Deak, o irmão do herói, para mais tarde reaparecer; a ordem Jedi esteve para se chamar Dai Nogas; Han Solo esteve para ser um alienígena; conceitos, como os Cavaleiros Sith e os cristais Kiber, foram criados para mais tarde serem abandonados. Alan Dean Foster, o escritor fantasma de George Lucas da adaptação do argumento a ser editada a par com o filme — nesta altura, não era óbvio que este viesse a ter êxito —, foi então encarregue de escrever um romance que pudesse dar origem a uma sequela de baixo orçamento. Esta foi a primeira semente semeada por Lucas de expansão do seu universo por terceiros. Entretanto, depois de umas rodagens atribuladas e de uma ajuda preciosa da esposa Marcia na edição, George Lucas concluiu o seu projecto de sonho à última hora, estreando “A Guerra das Estrelas” nos EUA a 25 de Maio de 1977.

1977-1983: O início de um império

Com o sucesso ao nível planetário, Lucas decide tornar A Guerra das Estrelas numa saga episódica — vulgo franchise. Começam então a surgir as muitas versões contraditórias (incluindo do próprio autor) sobre os planos de filmes que continuariam a saga, bem como daqueles que contariam o que aconteceu antes de conhecermos Luke Skywalker, Leia Organa, Han Solo, Ben «Obi-Wan» Kenobi, Chewbacca, R2-D2, C-3PO e Darth Vader. Ainda em 1977, e não querendo repetir tão cedo o stress da responsabilidade de escrever e realizar um filme do calibre do primeiro, Lucas convidou a veterana Leigh Brackett para escrever um tratamento para o argumento do que então se designou chamar Chapter II ou Star Wars Sequel, a ser realizado pelo também veterano, e antigo professor de Lucas, Irvin Kershner. Lucas fala numa saga épica de doze capítulos e neste segundo episódio introduz a ideia de que Luke Skywalker tem uma irmã. Dada a reacção do público a Darth Vader, decide também explorar esta personagem e expandir o seu mito, e quando a decisão mais importante de toda a saga é tomada — Darth Vader não matou Anakin Skywalker, o pai de Luke; ele é o seu pai! — o conceito da irmã foi abandonado.

Em 1978, Brackett faleceu e Lawrence Kasdan foi convidado para terminar o argumento do segundo episódio, entretanto nomeado The Empire Strikes Back. Paralelamente, a Marvel continuava a sua edição regular de aventuras em banda desenhada iniciada no ano anterior com a adaptação do argumento de Lucas. No que toca a livros (e excluindo adaptações dos filmes), “Splinter of the Mind’s Eye”, a continuação de “A Guerra das Estrelas” de baixo orçamento por Alan Dean Foster, é editada como uma curiosidade, abrindo a porta à edição das séries de livros “The Han Solo Adventures” e “The Lando Calrissian Adventures” nos anos seguintes. Para acabar o ano em beleza e capitalizar o sucesso de A Guerra das Estrelas, estreou no Natal The Star Wars Holiday Special, para posterior vergonha de todos os intervenientes. No ano seguinte, Lucas anuncia que a saga será constituída por nove capítulos — três trilogias —, ao invés de doze, e a derradeira versão do argumento anuncia um capítulo V. Este momento capital define que o novo filme será o capítulo central da segunda trilogia de três, renomeado o primeiro filme para “Episódio IV – Uma Nova Esperança”, e prometendo uma trilogia que contará a história dos jovens Ben Kenobi e Darth Vader. É introduzida também pelo mestre Yoda, uma nova e cativante personagem, a ideia de que haverá, além de Luke, uma outra esperança para os Jedi e para o destino da galáxia. Prosaicamente, este conceito foi introduzido para possibilitar a eventualidade de continuar a saga sem Mark Hamill, ou seja, Lucas não queria que o seu universo dependesse dos seus actores.

“O Império Contra-Ataca” foi um sucesso e consolidou “A Guerra das Estrelas” como um fenómeno cultural. Com este capítulo, chegaram também os videojogos, tanto nas salas de jogos arcade como em sistemas caseiros a dar os seus tímidos primeiros passos. Prosseguindo os planos para a trilogia central, Kasdan voltou para o argumento do episódio VI, “Revenge of the Jedi” — mais tarde famosamente alterado para “Return of the Jedi” —, um capítulo em que Lucas contratou Richard Marquand para a cadeira de realizador e decidiu voltar a estar mais envolvido. Dando continuidade à sugestão de Yoda no filme anterior, outra decisão sísmica (narrativamente falando) é tomada: Leia é irmã de Luke. Mais uma vez, afunilava-se o universo da saga, mas ampliava-se o impacto e envolvimento emocional com este grupo de personagens. As mil e uma questões e implicações das revelações «Darth Vader é pai de Luke» e «Luke é irmão de Leia» estão no cerne de muitos debates que se continuam a ter sobre esta criação artística, mas é inegável que são também os pilares que transformaram excitantes aventuras espaciais numa saga trágica de trevas e redenção. Excluído do argumento, mas mantido na adaptação literária, está também um momento que capturaria o imaginário de fãs e autores interessados em explorar todos os recantos possíveis deste imenso universo criado por Lucas: a história de origem de Vader numa luta com Kenobi num planeta de lava.

1984-1996: O universo expande-se

A segunda metade da década de oitenta foi um mau período para se ser fã de “A Guerra das Estrelas”, a não ser que se tivesse um computador — nesta altura começaram a ser lançados videojogos com bastante frequência. Lucas decidiu apostar numa vertente mais infantil e lançou, entre 1984 e 1985, dois filmes televisivos que capitalizavam o sucesso dos Ewoks — amados por uns e detestados por outros — junto dos fãs mais novos: “Star Wars: Uma Aventura Ewoks – A Caravana da Coragem” (The Ewok Adventure, John Korty) e “Star Wars: Uma Aventura Ewoks – A Conquista de Endor” (Ewoks: The Battle for Endor, Jim Wheat, Ken Wheat). Estas criaturas peludas e os andróides R2-D2 e C-3PO teriam também as suas séries animadas e as respectivas bandas desenhadas da Marvel. Se as séries não sobreviveram para além de 1986, no ano seguinte também a editora cessaria a publicação de qualquer material ligado a este universo.

Subitamente, em 1991, numa altura em que as promessas de mais filmes pareciam goradas, o universo criado por George Lucas começou a expandir-se. A Dark Horse começou a editar bandas desenhadas Star Wars, dando início com a série “Dark Empire”, escrita por Tom Veitch e ilustrada por Cam Kennedy. E, talvez mais decisivo para o reavivar da chama da saga, é editado o livro “Herdeiro do Império”, o primeiro capítulo da “Trilogia Thrawn” escrita por Timothy Zahn. A partir deste momento, estavam abertas as portas para o desenvolvimento de narrativas complementares que vieram a desenhar o que se convencionou chamar de Universo Expandido do Star Wars. Por indicação do próprio Lucas, estas histórias tentavam desenhar acontecimentos posteriores à saga cinematográfica. O criador reservava, assim, o passado para explorar nas prometidas «prequelas».

Talvez um dos momentos mais significativos deste período tenha sido “As Sombras do Império” — uma aventura com Luke, Leia, Lando e Chewbacca numa tentativa de salvar Han Solo congelado em carbonite, passada entre os episódios V e VI, portanto. Este foi um projecto multiplataforma constituído por um videojogo (para a Nintendo 64 e Windows), uma banda desenhada escrita por John Wagner e ilustrada por Kilian Plunkett, um livro da autoria de Steve Perry e uma banda sonora composta por Joel McNeely com uma capa ilustrada por Drew Struzan. Neste período, surgiram também alguns videojogos que ajudaram a revitalizar a relação dos fãs com a “A Guerra das Estrelas”, providenciando experiências cada vez mais imersiva: “X-Wing” (1993), “TIE Fighter” (1994), “Star Wars: Dark Forces” (1995) são alguns dos exemplos de títulos que catapultavam o jogador directamente para a acção.

1997-1999: A ameaça canónica

Apesar do Universo Expandido ser constituído por material produzido ou licenciado pela Lucasfilm, que controlava, na medida do possível, a consistência das obras produzidas no sentido de manter uma visão canónica do mesmo, George Lucas reservou o direito de se inspirar nas ideias desenvolvidas por terceiros ou até vir a contradizê-las. Tanto os livros como as bandas desenhadas e os videojogos não pararam de crescer e de se inspirarem mutuamente — veja-se “Star Wars: Mara Jade: By the Emperor’s Hand”, uma série de bandas desenhadas escrita por Timothy Zahn e Michael A. Stackpole e ilustrada por Carlos Ezquerra, baseada na popular personagem criada por Zahn na sua “Trilogia Thrawn”, por exemplo, ou as séries de livros “Dark Forces” e “X-Wing” baseadas nos respectivos videojogos.

Com o renovado interesse do público manifestado pelo rápido crescimento destes títulos, Lucas recuperou a ideia de avançar com os três primeiros episódios da saga que tinha ficado orfã de um primeiro acto. Como prova de conceito, no sentido de testar o estado da arte dos efeitos especiais para comprovar que estavam à altura da sua imaginação, surgem em 1997 as edições especiais dos filmes da trilogia que agora começava a ser referida como a original. Perfeccionista até ao fim, Lucas, que nunca se tinha coibido de introduzir alterações sempre que “A Guerra das Estrelas”, “O Império Contra-Ataca” ou “O Regresso de Jedi” eram editados no mercado caseiro, revelou cenas novas e actualizadas digitalmente nos três filmes. As polémicas vieram mais tarde. Na altura, qualquer Star Wars adicional era Star Wars bem-vindo. E, por muito que se prezasse todo o Universo Expandido que nos tinha sustentado até então, não havia livro, banda desenhada ou videojogo que mitigasse a ansiedade provocada pela ideia de voltar pela mão do próprio criador a um tempo longínquo e a uma galáxia muito distante no grande ecrã…

António Araújo, Março de 2018

 

Fontes primárias

Cinema

• A Guerra das Estrelas (Star Wars, George Lucas, 1977)
• O Império Contra-Ataca (Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back, Irvin Kershner, 1980)
• O Regresso de Jedi (Star Wars: Episode VI – Return of the Jedi, Richard Marquand, 1983)

Televisão

• O Especial de Natal de Star Wars (The Star Wars Holiday Special, 1978)
• Star Wars: Uma Aventura Ewoks – A Caravana da Coragem (The Ewok Adventure, John Korty, 1984)
• Star Wars: Uma Aventura Ewoks: A Conquista de Endor (Ewoks: The Battle for Endor, Jim Wheat e Ken Wheat, 1985)
• Ewoks (1985-1987 – 26 episódios)
• Star Wars: Droids (1985-1986 – 14 episódios)

Bibliografia seleccionada

• Foster, A. D. (1978) Splinter of the Mind’s Eye. New York, NY: Del Rey.
• Daley, B. (1979-1980) The Han Solo Adventures Trilogy. New York, NY: Del Rey.
• Smith, L. N. (1983) The Adventures of Lando Calrissian Trilogy. New York, NY: Del Rey.
• Zahn, T. (1991-1993) Star Wars: Thrawn Trilogy. New York, NY: Bantam Spectra. [com edição portuguesa pela Europa-América].
• Tyers, K. (1994) The Truce at Bakura. New York, NY: Bantam Spectra. [com edição portuguesa pela Europa-América].
• Wolverton, D. (1994) The Courtship of Princess Leia. New York, NY: Bantam Spectra. [com edição portuguesa pela Europa-América].
• Anderson Kevin J. (1994) The Jedi Academy Trilogy. New York, NY: Bantam Spectra.
• McIntyre, V. N. (1994) The Crystal Star. New York, NY: Bantam Spectra.
• Allen, R. M. (1995) The Corellian Trilogy. New York, NY: Bantam Spectra.
• Hambly, B., Anderson, K. J. (1995-1997) The Callista Ming Trilogy. New York, NY: Bantam Spectra.
• Perry, S. (1996) Shadows of the Empire. New York, NY: Bantam Spectra. [com edição portuguesa pela Europa-América].
• Rusch, K. K. (1996) The New Rebellion. New York, NY: Bantam Spectra.
• Crispin, A. C. (1997-1998) The Han Solo Trilogy. New York, NY: Bantam Spectra.
• Hambly, B. (1997) Planet of Twilight. New York, NY: Bantam Spectra.
• Zahn, T. (1997-1998) The Hand of Thrawn Duology. New York, NY: Bantam Spectra.
• Stackpole,M. A. (1998) I, Jedi. New York, NY: Bantam Spectra.
• Jeter, K. W. (1998-1999) The Bounty Hunter Wars Trilogy. New York, NY: Bantam Spectra.

Banda Desenhada

• Marvel Comics (1977-1986) – Inúmeras colecções
• Dark Horse Comics (1991-1999) – Inúmeras colecções

Videojogos

• X-Wing (Totally Games, 1993, LucasArts)
• TIE Fighter (Lawrence Holland e Edward Kilham, 1994, LucasArts)
• Dark Forces (Daron Stinnett, Ray Gresko e Justin Chin, 1995, LucasArts)
• Shadows of the Empire (Mark Haigh-Hutchinson, 1996, LucasArts)
• Jedi Knight: Dark Forces II (Justin Chin, 1997, LucasArts)

Jogos Roleplay

• Star Wars: The Roleplaying Game (West End Games, 1987–1999)

Bandas Sonoras

• Star Wars (John Williams, 1977)
• The Empire Strikes Back (John Williams, 1981)
• Return of the Jedi (John Williams, 1983)
• Shadows of the Empire (Joel McNeely, 1996)

Fontes secundárias

Bibliografia

• Bouzereau, L. (1997) The Annotated Screenplays. New York, NY: Del Rey.
• Hearn, M. (2005) The Cinema of George Lucas. New York, NY: Harry N. Abrams.
• Jones, B. J. (2016) George Lucas: A Life. London: Headline Publishing Group.
• Kaminski, M. (2008) The Secret History of Star Wars. Legacy Books Press.
• Kline, S. (ed.) (1999) George Lucas: Interviews. Jackson MS: University Press of Mississippi.
• Rinzler, J. W. (2016) Making of Star Wars, A Guerra das Estrelas. Lisboa: Planeta Manuscrito.
• Rinzler, J. W. (2016) Making of Star Wars, O Império Contra-Ataca. Lisboa: Planeta Manuscrito.
• Rinzler, J. W. (2013) The Making of Return of the Jedi. Published by Aurum Press.

Website

• Wookipedia – The Stars Wars Wiki (http://starwars.wikia.com)

Outras referências

Filmes

• Metrópolis (Metropolis, Fritz Lang, 1927)
• Planeta Proibido (Forbidden Planet, Fred M. Wilcox, 1956)
• The Hidden Fortress (Kakushi-toride no san-akunin, Akira Kurosawa, 1958)
• 21-87 (Arthur Lipsett, 1964)
• 2001: Odisseia no Espaço (2001: A Space Odissey, Stanley Kubrick, 1968)
• THX 1138 (George Lucas, 1971)
• Fuga no Século XXIII (Logan’s Run, Michael Anderson, 1976)

Outras referências

Séries

• O Dragão de Fogo (Flash Gordon, Frederick Stephani e Ray Taylor, 1936 – 13 episódios)
• O Planeta Destruidor (Flash Gordon’s Trip to Mars, Ford Beebe, Robert F. Hill e Frederick Stephani, 1938 – 15 episódios)
• A Guerra do Ano 2000 (Buck Rogers, Ford Beebe e Saul A. Goodkind, 1939 – 12 episódios)
• A Conquista do Universo (Flash Gordon Conquers the Universe, Ford Beebe e Ray Taylor, 1940 – 12 episódios)

Universos Paralelos – 4 – O apocalipse de John Carpenter

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Cinema, John Carpenter, Podcast, Segundo Take, Terror, Universos Paralelos

Pode ouvir aqui o quarto episódio de Universos Paralelos:
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E ler a respectiva folha de sala aqui:
FOLHA DE SALA

 

Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.

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Universos Paralelos – 4 – O apocalipse de John Carpenter

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Segunda-feira, dia 23 de Abril, teremos, no podcast Segundo Take, o quarto episódio de Universos Paralelos da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).

Desta vez o tema sugerido é o apocalipse, visto por John Carpenter, naquilo que foi considerado uma trilogia de filmes temática, e que poderá ser encontrado aqui:

 

O apocalipse de John Carpenter

As trilogias temáticas, ao contrário daquelas ligadas por continuidade narrativa, podem conter no ADN que as liga uma variedade de diferentes características, sejam elas um local comum, um actor recorrente ou um tema consistente entre todas as obras que constituem o triunvirato. Alguns exemplos destas trilogias são: a Trilogia do Corneto, de Edgar Wright e Simmon Pegg — “Shaun of the Dead” (2004), “Hot Fuzz” – Esquadrão de Província (Hot Fuzz, 2007) e “The World’s End” (2013); a Trilogia da Solidão, de Frederico Fellini — “A Estrada” (La Strada, 1954), “O Conto do Vigário” (Il Bidone, 1955) e “As Noites de Cabíria” (Le notti di Cabiria, 1957); ou a Trilogia do Apartamento, de Roman Polanski — “Repulsa” (Repulsion, 1965), “A Semente do Diabo” (Rosemary’s Baby, 1968) e “O Inquilino” (The Tenant, 1976).

John Carpenter, cuja paixão maior eram os filmes do faroeste americano, viria a ser reconhecido, algo acidentalmente, como um dos mestres do género de terror. Quis o destino que “Halloween – O Regresso do Mal” (1978) fosse uma obra-prima e o percursor de todo o subgénero de slashers que povoaram os anos oitenta, encerrando o realizador na categoria de filmes de género. O autor, pouco apreciado no seu país de origem — nas palavras do próprio: «em França sou um autor; na Alemanha, um cineasta; no Reino-Unido um realizador de filmes de género; nos EUA um vadio» — construiu uma filmografia recheada de filmes de culto, venerados por minorias ao longo dos anos que, recentemente, começaram a ganhar algum estatuto. Três desses filmes — muito diferentes entre si, e representantes de fases distintas da sua carreira — constituem uma trilogia temática, a Trilogia do Apocalipse: “Veio do Outro Mundo” (The Thing, 1982), “O Príncipe das Trevas” (Prince of Darkness, 1987) e “A Bíblia de Satanás” (In The Mouth of Madness, 1994). Produto da década de cinquenta, crescendo a temer a bomba atómica e a ler o Livro das Revelações na escola primária, Carpenter acabou por realizar uma série de filmes focados no fim — seja o fim dos tempos, das pessoas, da ordem ou da civilização. Isto pela mão da própria humanidade, como não poderia deixar de ser.

“Veio do Outro Mundo”, protagonizado por Kurt Russel e estreado em 1982, é baseado na novela “Who Goes There?” de John W. Campbell, Jr., adaptada previamente ao cinema por Howard Hawks e Christian Nyby no filme de 1951 “A Ameaça” (The Thing from Another World). Com o passar dos anos, tornou-se um filme de culto e tem sido largamente reconhecido como um dos melhores filmes da sua carreira, mas o fracasso de crítica e público à data de estreia devastou John Carpenter e deu o primeiro golpe na sua relação com as grandes produtoras de Hollywood. O filme conta a história de uma forma de vida extraterrestre e parasítica que assimila outros organismos, imitando-os. Esta infiltra uma estação de investigação na Antártida, tomando a aparência dos investigadores que absorve e gerando desconfiança e paranóia entre eles. Um grupo encurralado em situações extremas é um mote recorrente nos filmes de Carpenter, que aqui subverte o template clássico do filme de cowboys encurralados, transpondo uma ameaça inicialmente externa para o seio do grupo onde qualquer um pode ser o inimigo mortífero disfarçado.

Carpenter tira proveito do ecrã panorâmico em cenas de interior com uma composição deliberada e cuidada no sentido de dar a conhecer ao espectador pormenores e detalhes vitais ao desenrolar da acção que as próprias personagens envolvidas na cena não aprendem. O realizador consegue também um feito raro: o equilíbrio perfeito entre a tensão, a desconfiança e o terror sugerido com o horror gráfico absolutamente grotesco. Os efeitos especiais práticos são de outra era, mas mantêm a vitalidade e eficácia. A cada minuto que passa, corremos o risco de assistir a transformações cada vez mais inesperadas e violentas. No final, a incerteza deixa em aberto a possibilidade de o fim do mundo não ter sido totalmente evitado, mas apenas adiado.

Em 1987, depois de abandonar o studio system na sequência do fracasso comercial de “As Aventuras de Jack Burton nas Garras do Mandarim” (Big Trouble in Little China, 1986), Carpenter voltou aos filmes de baixo orçamento com “O Príncipe das Trevas”, regressando também ao cenário em que isola um grupo de pessoas num local físico em luta contra forças desconhecidas. Desta vez, um padre (o colaborador habitual Donald Pleasence) convida um especialista de física quântica, o Professor Howard Birack (Victor Wong, outro repetente), e os seus alunos para o ajudarem na investigação de um cilindro que contém um misterioso líquido verde em permanente rotação na cave de uma igreja abandonada de Los Angeles. Ciência e religião confluem em mais uma variação do Homem contra forças sobrenaturais mal-intencionadas, neste caso possivelmente o filho do Anti-Deus, divindade do domínio da anti-matéria, pronto a ser libertado para trazer o fim da humanidade como a conhecemos. Carpenter assinou com o pseudónimo Martin Quatermass — uma homenagem à personagem principal de “O Monstro do Espaço” (The Quatermass Xperiment, Val Guest, 1955) — um argumento ágil inspirado num pesadelo da produtora e amiga Debra Hill, integrado na narrativa como o sonho colectivo que poderá ser uma mensagem admonitória do futuro. “O Príncipe das Trevas” é normalmente considerado um filme menor do seu autor, mais recordado pela participação de Alice Cooper e por alguns eficientes efeitos práticos do que pelo seu valor narrativo ou estético.

Depois de duas experiências independentes, Carpenter voltou a dar-se mal com um filme para uma major de Hollywood, “Memórias de um Homem Invisível” (Memoirs of an Invisible Man, 1992) — neste caso para a Warner Bros. —, uma nova tentativa de expandir os horizontes do nicho de terror em que se sentia constrangido. Na ressaca deste novo falhanço, realizou um argumento de Michael De Luca — o jovem prodígio da New Line Cinema — que coloca no centro da trama Sutter Cane, um escritor inspirado no cruzamento da popularidade de Stephen King com o universo e escritos de H. P. Lovecraft. Em “A Bíblia de Satanás”, o fim do mundo é preconizado pela palavra, ou seja, pelos populares romances do autor de obras de terror que, depois de fidelizar uma legião de fãs, os leva à loucura com a sua última obra, instrumento que serve literalmente como um portal para os monstros de outrora, referências aos Grandes Antigos dos Mitos de Lovecraft. Este é um filme algo atípico na carreira de Carpenter, mas que veio demonstrar a vitalidade e versatilidade do realizador ao criar um filme de ritmo frenético em que as fronteiras da realidade e da ficção se esbatem, dando origem a uma atmosfera onírica e sinistra que se instala numa lógica de pesadelo de onde parece impossível escapar. A descolagem do seu estilo habitual tem reflexo inclusivamente na banda sonora, onde minimiza os elementos electrónicos em favor de uma sonoridade à base de guitarras e riffs de heavy-metal. “A Bíblia de Satanás” não só encerra a Trilogia do Apocalipse de John Carpenter, como é, provavelmente, o seu último grande filme.

António Araújo, Dezembro de 2017

 

Fontes primárias

Filmografia

• Veio do Outro Mundo (The Thing, 1982)
• O Príncipe das Trevas (Prince of Darkness, 1987)
• A Bíblia de Satanás (In The Mouth of Madness, 1994)

Fontes secundárias

Bibliografia

• Harrison, M. (2016) ‘John Carpenter’s Apocalypse trilogy: a look back’. In Den of Geek [consult. Dezembro de 2017]. Disponível em
• Muir, J. K. (2000) The Films of John Carpenter. Jefferson, NC: McFarland & Co.

Websites

• Página oficial (http://www.theofficialjohncarpenter.com)

Universos Paralelos – 3 – A esperança escatológica de George Miller

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Pode ouvir aqui o terceiro episódio de Universos Paralelos:
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.

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Universos Paralelos – 3 – A esperança escatológica de George Miller

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Segunda-feira, dia 19 de Março, tem lugar, no podcast Segundo Take, o terceiro episódio de Universos Paralelos da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).

Desta vez o universo explorado será o pós-apocalipse que George Miller nos trouxe na saga Mad Max, e que poderá ser encontrado aqui:

 
 

A esperança escatológica de George Miller

Carros, punk e o fim do mundo.

George Miller, médico de formação, inicia a sua carreira filmográfica com uma curta-metragem intitulada “Violence in Cinema: Part 1” (1971). Realizada ainda durante os seus anos de formação médica, e recebida de forma polarizadora pelos críticos, foi colocada na categoria de documentário no Festival de Cinema de Sydney, em 1972, devido à sua representação de violência cinemática, característica que viria a marcar o seu cinema.

Anos mais tarde, e após conhecer Byron Kennedy num workshop, na Universidade de Melbourne, em 1971, e com quem co-fundou a Kennedy Miller Productions — renomeada Kennedy Miller Mitchell, em 2009, de forma a reconhecer o trabalho de Doug Mitchell na produtora —, co-escreve com Kennedy o filme que viria a iniciar a sua carreira como realizador de filmes de acção, “Mad Max – As Motos da Morte” (1979).

“Mad Max” veio ajudar a definir e a estabelecer o género de filmes de acção, pegando numa ideia base e despindo-a para uma narrativa simples, usando elementos típicos de storytelling, como desenvolvimento de personagens e cenários, fundindo-os e comprimindo-os em sequências e cenas de acção. Devido ao uso inteligente de símbolos, imagens e metáforas, Miller conseguiu substituir os elementos dramáticos comumente encontrados em diálogos por estes recursos de estilo, levando a criar um cinema «não verbal». Desta maneira, conseguiu dirigir a narrativa visual do filme tanto para uma experiência como para uma estória.

“Mad Max” inicia, com o seu mundo retorcido e caricatural, um tema de intimidação, que irá ser comum ao longo da trilogia. Que para sobreviver é necessário ser-se duro e resiliente, mas que no fundo existe apenas uma fragilidade misturada com esperança, num mundo sem ordem.

Neste primeiro filme, a sociedade é alvo de um apocalipse em continuação, que acaba por reduzir o mundo ao mais primitivo dos cenários. Tal como o protagonista, Max (interpretado por Mel Gibson), os vilões são representações dos motards dos filmes exploitation dos anos 50 e 60. São, simplesmente, forças de cantos opostos do espectro. Ao longo do filme, Max sofre uma completa degeneração da sua humanidade, tornando-se, após o seu acto final de vingança, num ser que se alienou e que se torna demente, fazendo jus ao nome do filme.

No contexto de uma trilogia, Mad Max, serve como uma estória de origem para o protagonista e para o universo.

Depois do sucesso internacional do primeiro filme, Miller, iria estrear outro filme dentro deste universo, uma sequela de nome “Mad Max 2: O Guerreiro da Estrada” (1981). Após ter estreado como “Mad Max 2”, na Austrália e no Japão, os distribuidores Norte-Americanos julgaram que ninguém iria ver uma sequela para um filme que pouca gente, nos E.U.A., tinha visto, e renomearam o filme para The Road Warrior.

Ao contrário dos vilões do primeiro filme, que eram contra o sistema estabelecido, neste filme o apocalipse apoderou-se do mundo e já não existe qualquer forma de sociedade. Agora, apenas interessa uma coisa: combustível. A sua procura é o tema principal desta segunda entrada neste universo. Max, despedaçado e alienado, vive apenas com um propósito, encontrar combustível para continuar a mover-se, e sobreviver. O combustível, a gasolina e a energia que deles advém é o que faz o mundo girar, servindo como o holy grail das personagens, na esperança de que ao encontrarem-no, possam também (re)descobrir um estado civilizacional.

No terceiro filme, “Mad Max 3: Além da Cúpula do Trovão” (1985), a ideia de uma sociedade reconstruída e melhorada, num mundo pós-apocalíptico é o tema central, ajudando a completar o desenvolvimento do protagonista em relação com o seu meio-ambiente, como uma progressão linear narrativa dentro da trilogia. A dualidade das duas sociedades opostas presentes, que leva Max a ascender ao estatuto de herói, mas que inevitavelmente – com o seu sacrifício de ajudar uma sociedade a ascender sobre a outra – descende ao estado de renegado, reforça a circularidade do arco narrativo do protagonista e completa a fábula mítica, que é simbolicamente atribuída ao renascimento.

Volvidos 30 anos, Miller retoma este universo, com “Mad Max: Estrada da Fúria” (2015). Com uma nova interpretação de Max, por Tom Hardy, e com personagens protagonistas novas, como Furiosa (interpretada por Charlize Theron), é observável uma estória hiperbólica, contada através dos detalhes, reflectidos nas acções das personagens e na maneira como interagem com o meio-ambiente, e onde o cenário é a estrada, que serve menos de lugar estático, mas mais como palco da acção, da perseguição e da corrida.

Num mundo completamente desprovido de humanidade e onde a demência e a autoridade dominam, a redenção, onde Max, finalmente, reganha a sua humanidade, permitindo-lhe seguir em frente, torna-se no tema principal desta quarta entrada, devolvendo o estado da personagem que se encontra no primeiro filme, dando-lhe a liberdade que ele tanto procurava. O filme encerra com uma nota de esperança na reconstrução de um novo mundo e de uma sociedade equilibrada.

George Miller vai deixando um legado, que influencia muitos, e que certamente ainda não se encontra terminado, com um novo Mad Max em produção.

Tomás Agostinho, Novembro de 2017

 

Fontes primárias

Filmografia

• Mad Max – As Motos da Morte (Mad Max, 1979)
• Mad Max 2: O Guerreiro da Estrada (Mad Max 2, 1981)
• Mad Max 3: Além da Cúpula do Trovão (Mad Max Beyond Thunderdome, 1985)
• Mad Max: Estrada da Fúria (Mad Max: Fury Road, 2015)

Fontes secundárias

Bibliografia

• Bernstein, A. (2015) The Art of Mad Max: Fury Road. London, Titan Books.
• Page, E. (2015) Mad Max: Movies of Apocalyptic Mayhem. CreateSpace Independent Publishing Platform.

Entrevistas

• George Miller Talks on Google (Google, 2015) (https://www.youtube.com/watch?v=lXtDLEs0fqM)