23 Segunda-feira Set 2019
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Alien, Cinema, Dan O'Bannon, Ficção Científica, H. R. Giger, Podcast, Ridley Scott, Segundo Take, Terror, Universos Paralelos
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no website Segundo Take.
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26 Segunda-feira Ago 2019
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Animação, Cinema, Cinema japonês, Estúdios Ghibli, Fantasia, Hayao Miyazaki, Podcast, Segundo Take, Universos Paralelos
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22 Quinta-feira Ago 2019
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Animação, Cinema, Cinema japonês, Estúdios Ghibli, Fantasia, Hayao Miyazaki, Podcast, Segundo Take, Universos Paralelos
É já segunda-feira que chega o vigésimo episódio de Universos Paralelos, da autoria do António Araújo (Segundo Take), do José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e do Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez dedicamo-nos a analisar o universo fantasioso de Hayao Miyazaki, com especial destaque para as longas-metragens para cinema produzidas nos estúdios Ghibli, e pode ouvir-nos aqui:
12 de Julho de 1945. A cidade de Utsunomiya, no Japão, era vítima de um ataque aéreo, dizimando cerca de metade da cidade. Nesse mesmo local, e durante toda a Segunda Grande Guerra, a Miyazaki Airplane, gerida por Katsuji Miyazaki, fornecia lemes para os míticos caças Mitsubishi A6M Zero, utilizados pela Marinha Imperial Japonesa.
Tanto o bombardeamento como o trabalho desenvolvido pelo seu pai marcaram e vieram a influenciar fortemente a imaginação e o trabalho de Hayao Miyazaki, mestre da animação e da arte de contar histórias e sobre quem me debruço no presente texto.
Começou por trabalhar na Toei Animation, onde conheceu Isao Takahata, co-fundador dos estúdios Ghibli e colaborador de longa data. Durante o seu tempo nesse estúdio, e posteriormente na Nippon Animation, Miyazaki veio a desenvolver trabalhos com Takahata, como “Heidi” (Arupusu no Shōjo Haiji, 1974) e “Marco: Dos Apeninos aos Andes” (Haha o Tazunete Sanzenri, 1976). Talvez o seu trabalho mais significativo pré-Ghibli tenha sido “Conan, o Rapaz do Futuro” (Mirai Shōnen Konan, 1978), uma série televisiva de 26 episódios, sobre a história de um rapaz (e de uma rapariga e do seu amor – tema recorrente na sua obra) e das suas aventuras enquanto atravessa um mundo pós-apocalíptico, destruído pela sede de violência entre o Homem.
Existe uma certa linha contínua temática que parece unir o trabalho de Miyazaki, que começa muito antes da fundação dos estúdios Ghibli, como podemos ver em “Marco” e “Heidi” — a preocupação com a família, com os amigos ou a denúncia da simples beleza presente numa aventura — ou numa preocupação já cada vez mais estética como vemos tomar forma em “Conan”, ou de maneira bastante mais evidente no seu último filme antes da fundação dos estúdios míticos, “Nausicaä do Vale do Vento” (Kaze no tani no Naushika, 1984). “Nausicaä” é um filme quase tão indistinto dos outros filmes que Miyazaki produz durante a sua era dourada nos estúdios, que parece apenas justo atribuir ao filme uma afiliação honorária. Vai buscar a “Conan” não só os temas da guerra e as suas desastrosas consequências, como o próprio viveu em 1945, mas também dois elementos basilares do seu trabalho, a família — que de forma tão bela nos mostra que existe outra para além da de sangue — e a aventura. Introduz, no entanto, um novo e incrivelmente recorrente tema, o do voar, tanto na sua acepção mais literal, como podemos ver através da presença de várias naves e outros objectos voadores, como o planador de Nausicaä, mas também na sua face mais metafórica ou espiritual, o voar para outros mundos, o sonhar. Este sonhar é, no fundo e no princípio, o motor central do trabalho do autor. Vemo-lo tomar formas mais concretas como nos filmes em que o céu e a aviação tomam papéis essenciais na narrativa, como “Nausicaä”, “O Castelo no Céu” (Tenkû no shiro Rapyuta, 1986), “Kiki – A Aprendiz de Feiticeira” (Majo no takkyûbin, 1989), “Porco Rosso – O Porquinho Voador” (Kurenai no buta, 1992), ou de forma não só literal, mas incrivelmente realista também, n’”As Asas do Vento” (Kaze tachinu, 2013), que se não fosse o seu regresso da reforma teria sido o filme perfeito para terminar uma grande carreira. Noutros filmes, o voar projecta-se para o domínio do onírico, “A Viagem de Chihiro” (Sen to Chihiro no kamikakushi, 2001), “O Castelo Andante” (Hauru no ugoku shiro, 2004) ou “Ponyo à Beira-Mar” (Gake no ue no Ponyo, 2008) são exemplos claros disso. Onde o sonho predomina e o espectador é totalmente transportado para um mundo com poucos referentes visuais externos, enquanto que nos outros filmes supra-mencionados, a fantasia e a realidade parecem coexistir numa malha harmoniosa, temos normalmente espaços conhecidos com elementos e personagens fantasiosas, do mais sóbrio (“As Asas do Vento”) ao mais fictício (“O Castelo no Céu” / “Porco Rosso”), tendo “Nausicaä” como saudável excepção. Entre este tema central do sonho e do voo, Miyazaki parece ainda querer apresentar uma preocupação de cariz mais natural, a da defesa da Terra e dos seus recursos. O tema do ambiente é fortemente explorado em “A Princesa Mononoke” (Mononoke-hime, 1997), onde o conto toma contornos de uma fábula, da defesa da Natureza, como sendo o ponto de equilíbrio do Mundo.
Encontramos entre estes, temas outros ainda com uma enorme transversalidade: o feminismo e a presença forte de heroínas — nas palavras do próprio sobre as suas personagens femininas «valentes, raparigas auto-suficientes que não pensam duas vezes sobre lutar pelo que acreditam com todo o seu coração […] podem precisar de um amigo, de um apoiante, mas nunca de um salvador […] qualquer mulher é tão capaz de ser um herói como qualquer homem» —, a exploração narrativa de momentos de transição na vida uma pessoa, frequentemente entre a vida juvenil e adulta, e a existência de uma tragédia que incita o enredo, servindo de motivação para resolver os dilemas do herói.
Chegamos ao momento de confluência de uma carreira rica com o filme mais recente do autor, “As Asas do Vento”. Um filme que vem repescar a temática da aviação e das Grandes Guerras, tal como já tínhamos visto em “Porco Rosso”. Desta vez, e pela primeira vez, temos um filme que decorre na sua totalidade num universo reconhecível, não-mágico e inteiramente habitado por humanos. Baseia-se ainda na vida de uma personalidade histórica, Jiro Horikoshi, designer de aviões e responsável pelo mítico Mitsubishi A6M Zero, reforçando a ligação não só com o mundo real, mas também com a própria vida de Miyazaki e do seu pai. O filme continua a recorrer ao uso do onírico, para criar uma ligação entre Jiro e Giovanni Battista Caproni, outra personagem histórica, que aqui serve de mestre ao nosso herói, mas que também terá tido uma influência na vida de Miyazaki, dado que o nome Ghibli vem do avião Caproni Ca.309 Ghibli, concebido pela empresa do próprio Caproni, entrelaçando ainda mais a vida do cineasta com a vida do nosso protagonista, tornando este talvez o filme mais pessoal da sua filmografia. Mas o filme não se contém numa recriação (ficcional) da história, pois mantém toda a tradição temática e estética do animador, correspondendo a uma declaração de fé no poder dos sonhos, como força motriz do trabalho: vida, e amor num uno sem qualquer atrito — um ideal representado aqui pelo desejo de Jiro de conceber um avião impossivelmente leve e célere. Esta necessidade de canalizar os nosso sonhos para o trabalho toma, de facto, a sua forma mais concreta neste último filme, mas encontramo-la presente desde o início — não esquecer que aquilo que motiva inicialmente Pazu (d’”O Castelo no Céu”, o primeiro filme totalmente Ghibli) a procurar a cidade perdida (e curiosamente voadora) de Laputa é o desejo de ser — e quiçá reencontrar — como o seu pai, piloto e aventureiro dos céus, e de ser o primeiro a aterrar nessa cidade desaparecida.
Miyazaki não se despede com este filme, que seria um adeus incrivelmente poderoso e emocional, como o filme nos mostra, mas volta de uma curta reforma para realizar “How Do You Live?” (Kimitachi wa dô ikiru ka, 2020). A estrear por volta da altura dos Jogos Olímpicos de 2020, Miyazaki pretende com esta obra escrever uma carta ao seu neto, talvez numa tentativa de ser o parente que nunca foi para o seu filho, Gorō. O filme debruça-se sobre os vários passos que levam um rapaz a tornar-se num adulto, física e espiritualmente.
Talvez seja o melhor cineasta de animação da história, dada a profundidade e mestria dos seus filmes, como Roger Ebert apontou, mas de uma coisa podemos ter a certeza, Miyazaki é o grande defensor do poder dos sonhos, da imaginação e da vitória da perseverança perante o mesmo.
Le vent se lève!
il faut tenter de vivre!
Tomás Agostinho, Agosto de 2019.
Bibliografia
Séries de Televisão
Cinema (longas-metragens)
Cinema (curtas-metragens)
Cinema
20 Terça-feira Ago 2019
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Activo desde Janeiro de 2018, com um episódio por mês (sai na próxima semana o episódio 20), o Universos Paralelos chega agora ao Facebook.
Siga-nos também por lá, onde teremos novidades, sugestões de leituras e visionamentos sobre o material com que vamos preparando cada episódio, e onde nos pode ir dando a sua opinião sobre os universos que vamos visitando.
Apareça! Estamos em: https://www.facebook.com/universosparalelospodcast/
22 Segunda-feira Jul 2019
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Pode ouvir aqui o décimo nono episódio de Universos Paralelos:
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.
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19 Sexta-feira Jul 2019
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É já na segunda-feira que chegará o décimo nono episódio de Universos Paralelos, da autoria do António Araújo (Segundo Take), do José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e do Tomás Agostinho (Imaginauta).
O tema é o terror de paisagens oníricas criado pelo mestre italiano Dario Argento, e pode ser ouvido aqui:
Nascido em Roma, em 1940, filho de um produtor de cinema de origem siciliana e de uma fotógrafa brasileira, Dario Argento esteve desde novo ligado às artes visuais, sentindo que era esse o modo como melhor se poderia expressar. Não obstante, e decidindo não seguir uma carreira universitária, foi na escrita que Dario Argento começou a trabalhar, nomeadamente como jornalista, tendo, inevitavelmente, dirigido a sua atenção para o cinema, tornando-se crítico cinematográfico.
Essa forma de ver o mundo através de narrativas visuais, levou-o, graças às portas abertas pelo pai, Salvatore, a ter algumas histórias transformadas em argumentos de cinema nos anos 60. Mas o seu nome começou a ser notado em 1968, quando escreveu, em parceria com outro futuro realizador — Bernardo Bertolucci —, o argumento do célebre western spaghetti “Aconteceu no Oeste”, de Sergio Leone.
Seguiram-se mais alguns argumentos seus para filmes menores, mas cada vez mais Argento pensava que tudo resultaria melhor se não se limitasse a escrever, mas realizasse ele próprio os filmes. Foi então que, mais uma vez com auxílio paterno, Dario Argento realizou o seu primeiro filme, o giallo (que é assim como quem diz “thriller policial à italiana”) “O Pássaro com Plumas de Cristal”, onde trouxe um modo muito pessoal (leia-se mortes mais sangrentas e macabras) a este género já popular em Itália desde que Mario Bava realizara, em 1963, “A Rapariga que Sabia Demais”.
Depois de quatro giallos de sucesso (e de uma comédia fracassada), Argento passou a estrela internacional com a realização de “Suspiria”, em 1977, protagonizado pela norte-americana Jessica Harper. “Suspiria” deixava para trás o giallo convencional, misturando-o com um terror sobrenatural de influência gótica, mas, acima de tudo, dando-nos uma visão muito pessoal que resulta em barrocas explosões de cor, banda sonora enervante (a cargo da banda Goblin que o acompanharia em muitos filmes), e história algo surreal, de claro onirismo.
Esse onirismo — que mostrava cada vez mais que Dario Argento filmava pesadelos, mais que filmes com princípio, meio e fim — é continuado logo no filme seguinte “Inferno”, sequela de “Suspiria”, e segundo tomo do que se chamaria a “Trilogia das Três Mães”, fechada em 2007 com “Mãe das Lágrimas: A Terceira Mãe”. A partir daí (produzido primeiro pelo pai Salvatore, depois pelo irmão Claudio, e mais tarde por si próprio), fosse em histórias mais realistas e policiais, como “Tenebre”, de 1982, ou em histórias de vertente sobrenatural como “Penomena”, de 1985, protagonizado por uma muito jovem Jennifer Connelly, e até em refúgios no gótico de época, como “O Fantasma da Ópera”, são constantes as lógicas de sonho ou pesadelo (“Phenomena”, “Viagem ao Inferno”), temas esotéricos como o espiritismo (“Profondo Rosso”, “Trauma”), ou os freudianos traumas do passado (“O Pássaro com Plumas de Cristal”, “Quatro Moscas de Veludo”, “Tenebre”, “Terror na Ópera”, “Sangue de Inocentes”).
Mas acima de tudo, o que fica de Argento e o que (mesmo que a qualidade dos seus filmes seja muito díspar) lhe valeu o elogio de pares como George A. Romero e John Carpenter, é a sua capacidade de quebrar barreiras do admissível no grande ecrã, produzindo peças visuais de grande elaboração que tocam visceralmente aquilo que mais nos perturba, e aqueles pesadelos horríficos que não queremos confessar, num macabro digno de Edgar Allan Poe, com muito sangue e muita tortura sobre as suas divas, como o foram a esposa Daria Nicolodi, e a filha Asia Argento.
José Carlos Maltez, Fevereiro 2019.
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Outros filmes de terror de Dario Argento
Filmes de outros realizadores
18 Terça-feira Jun 2019
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Candyman, Cinema, Clive Barker, Hellraiser, Terror, Universos Paralelos
Pode ouvir aqui o décimo oitavo episódio de Universos Paralelos:
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16 Domingo Jun 2019
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Candyman, Cinema, Clive Barker, Hellraiser, Terror, Universos Paralelos
Chegou mais um Universos Paralelos, da autoria do António Araújo (Segundo Take), do José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e do Tomás Agostinho (Imaginauta). É o décimo oitavo episódio do programa.
O tema é o universo horrífico criado pelo escritor, desenhador e realizador Clive Barker, e pode ser ouvido aqui:
Clive Barker nasceu em 1952 em Liverpool, na Inglaterra, onde se veio a graduar na Universidade local e a trabalhar durante vários anos no teatro. A sua mudança para Londres resultou numa travessia pelo deserto sustentada pela assistência social enquanto tentava a sua sorte como escritor e pintor. Foi desta forma que começou a escrever peças de teatro de humor e terror, bem como a trabalhar como ilustrador. Ao ler a antologia de ficção de terror “Dark Forces” em 1981, Barker encontrou uma oportunidade ao perceber que havia necessidade no mercado para um novo tipo de ficção deste género. Nasceram assim os primeiros três volumes de “Clive Barker’s Books of Blood”, uma coleção de contos e novelas que englobavam os géneros de terror e de fantasia que definiram Clive Barker como um nome da vanguarda do terror literário de meados da década de oitenta.
Ao longo da sua obra polvilhada de romances e compilações de contos, muitas das suas histórias apresentam monstros ou aparições que aterrorizam os seus protagonistas, humanos habitantes de um mundo tão sombrio, violento e maligno como as entidades que os atormentam. Barker cria mundos fictícios em que as fronteiras entre a vida e a morte são muitas vezes indistintas. Esta é normalmente bem recebida pelo protagonista como uma transformação para um estado mais elevado de ser, e é comum ocorrerem nas suas narrativas várias formas de transformação corporal, incluindo a transformação do corpo de um homem numa mulher, através de um processo sobrenatural — o que não será um acaso dada a orientação sexual do autor que assumiu publicamente a sua homossexualidade no início dos anos noventa. Mais tarde, os seus interesses temáticos inclinar-se-iam também para a fantasia e mitologia urbana, nunca abandonando completamente os elementos do terror tradicional.
O seu interesse pela produção cinematográfica, e a frustração com as duas primeiras adaptações cinematográficas de argumentos da sua autoria — “Underworld” (1985) e “Rawhead Rex” (1986) —, levaram à sua estreia atrás das câmaras com “Fogo Maldito” (Hellraiser, 1987), transposição da novela “The Hellbound Heart”. O sucesso deste filme de baixo-orçamento, que lançou uma série de filmes do qual Barker depressa se distanciou, não foi repetido por “Raças da Noite” (Nighbreed, 1990), adaptação do romance “Cabal” (1988), nem por “O Senhor das Ilusões” (Lord of Illusions, 1995), baseado no conto “The Last Illusion” incluído no sexto volume de “Books of Blood” (1985), o seu último crédito na realização de longas-metragens. Ainda assim, em conjunto com o excelente “O Assassino em Série” (Candyman, 1992), realizado por Bernard Rose, a filmografia de Clive Barker é uma excelente porta de entrada para o universo do autor a quem Stephen King chamou em tempos “o futuro do terror”.
António Araújo, Abril de 2019.
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Cinema
13 Segunda-feira Maio 2019
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Aventura, Cinema, Dinossauros, Ficção Científica, Steven Spielberg
Pode ouvir aqui o décimo sétimo episódio de Universos Paralelos:
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.
Este episódio conta com a participação especial de Miguel Troncão.
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11 Sábado Maio 2019
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Aventura, Cinema, Dinossauros, Ficção Científica, Steven Spielberg
Eis mais um Universos Paralelos, da autoria do António Araújo (Segundo Take), do José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e do Tomás Agostinho (Imaginauta). É o décimo sétimo episódio do programa.
O tema deste décimo sétimo episódio é o mundo dos parques recreativos que trouxeram de volta os dinossauros, e pode ser ouvido aqui:
Em 1993, o infame Tyrannosaurus rex ainda parecia pertencer apenas aos livros de paleontologia, uma ciência esquecida pelo público, cujos livros se encontravam em prateleiras poeirentas do departamento de uma faculdade ou nas estantes esquecidas das bibliotecas e das livrarias. Mas isso estava prestes a mudar. Steven Spielberg, já um icónico cineasta, responsável por sucessos como a saga “Indiana Jones” (já aqui abordada neste podcast), “O Tubarão” (1975), “Encontros Imediatos do 3º Grau” (1977), ou “E.T. – O Extra-Terrestre” (1982) estava prestes a introduzir um filme que iria marcar não só futuras gerações, mas toda uma ciência. Falo de “Parque Jurássico” (1993). Baseado no livro homónimo de Michael Crichton de 1990, conta-nos a história de um excêntrico industrialista, John Hammond (Richard Attenborough), que através da sua empresa de bioengenharia, InGen, arquitecta um parque temático contendo dinossauros clonados (a partir do seu ADN, extraído de mosquitos preservados em âmbar e ADN de rãs para preencher as falhas no seu genoma) e plantas pré-históricas chamado Parque Jurássico, na Isla Nublar, uma ilha da Costa Rica. Após um incidente com um dos dinossauros, a comissão de gestão do parque torna-se inquieta sobre a sua segurança e decide contratar um grupo de especialistas para a analizar: um paleontólogo, Dr. Alan Grant (Sam Neill), uma paleobotânica, Dr. Ellie Sattler (Laura Dern) e um matemático e teórico do caos, Ian Malcolm (Jeff Goldblum). Durante a visita, o parque sofre uma quebra de energia levando a que os dinossauros se libertem, colocando o grupo e a viabilidade do parque em perigo.
O filme marca não só um avanço fenomenal no mundo dos efeitos especiais, mas também uma nova abordagem aos filmes científicos. Através do uso de conhecimentos científicos e descobertas da época, Spielberg propõe uma viagem visual até ao centro da paleontologia e da genética, mostrando um casamento entre as duas. Realisticamente, mesmo hoje em dia, a possibilidade de clonar espécies extintas ainda se coloca como distante, pois sabe-se que seria necessário o genoma completo e não apenas uma porção, como nos é apresentado, e ninguém encontrou isso. Existem ainda outras questões que impossibilitam esse acto e ainda surgem questões éticas relacionadas, mas isso encontra-se para lá do ponto do filme, que é um exercício de fantasia. Mas não esqueçamos o facto que o filme é de 1993. Nessa altura, conhecimentos comuns como o facto de que quase todos (se não mesmo todos) os dinossauros tinham algum tipo de penas era completamente desconhecido para a comunidade científica, que viria a descobrir isso apenas nos finais da década de 90. Mostra que houve uma preocupação científica com a representação dos dinossauros, com base nos avanços da altura. Talvez a única questão com a qual podemos implicar prende-se com o nome do próprio filme, Jurássico. A vasta maioria dos seres que vemos pertence ao período Cretáceo: Tyrannosaurus rex, Velociraptor, Triceratops. Mas “Parque Cretáceo” seria um nome menos interessante para um filme e para uma futura saga.
O sucesso foi tão grande que se seguiram mais duas sequelas num período inferior a 10 anos, “O Mundo Perdido: Jurassic Park” (1997) e “Parque Jurássico III” (2001). Jogos de computador e livros também viram a luz do dia, e alguns o sucesso comercial. Ambos os filmes decorrem anos depois do acidente na Isla Nublar. A acção de “O Mundo Perdido” desenvolve-se, no entanto, numa ilha gémea, a Isla Sorna quatro anos depois e apresenta-nos o local de criação original dos dinossauros antes de serem levados para a Isla Nublar. O “Parque Jurássico III” volta à ilha original e revela ser uma missão de salvamento. É, no entanto, neste filme que vemos mais e novas espécies de dinossauros e zonas inéditas do antigo parque. Ambos os filmes vivem da glória do primeiro e revisitam os mesmos temas: como a ganância e o capitalismo podem facilmente destruir os valores humanos, colocando em risco o nosso bem-estar; ou como a procura pelo conhecimento e progresso deve ser cuidadosamente equilibrada com a ponderação da razão e do bom senso. Tal como John Hammond repete múltiplas vezes «Não poupei a despesas», os filmes parecem querer deixar como mensagem que devemos, por vezes, poupar não só a despesas, mas também deixar as coisas como estão, porque mesmo quando tudo parece estar sob o nosso controlo a «vida encontra um caminho», como enunciado pelo Dr. Malcolm. Existe ainda uma outra triste realidade representada nos filmes e espelhada na vida real: a de que as investigações científicas não produzem riqueza e portanto sofrem com os seus apoios.
Num universo ensurdecido de reboots e remakes, esta trilogia não ficou fora, e em 2015 vemos a sua nova iteração, “Mundo Jurássico” (2015). Com Colin Trevorrow ao leme (já o “Parque Jurássico III” tinha tido outro realizador, Joe Johnston) e uma nova equipa de personagens, a acção desenrola-se num novo parque construído sobre o anterior, anos depois da tragédia original. Vítima das exigências do público actual, o filme tinha que apresentar mais e maior, e portanto temos pela primeira vez dinossauros geneticamente desenhados a partir da confluência de várias espécies. Neste filme a sua estrela é o Indominus rex. Este novo dinossauro de inteligência e capacidades físicas superiores consegue escapar ameaçando, uma vez mais, a segurança do parque.
Enquanto que o filme original se preocupou com a ciência do seu filme e com a representação dos dinossauros, este parece querer ignorar as descobertas feitas nessa área e vive de uma nostalgia e saudosismo de um certo imaginário, sacrificando aquilo que poderia ter sido um passo na direção certa de manter a ciência no cinema. No entanto, o sucesso comercial provou-se certeiro e uma sequela foi rapidamente anunciada estreando pouco tempo depois, “Mundo Jurássico: Reino Caído” (2018). Também um novo dinossauro geneticamente modificado tem aqui a sua estreia, o Indoraptor. Enquanto que o primeiro filme desta nova vaga parece querer recriar a estrutura narrativa do original, este está mais próximo d’”O Mundo Perdido”. Com contornos temáticos mais contemporâneos, desde a transformação dos dinossauros em máquinas de guerra, à política mundial e aos jogos de poder entre instituições, este filme deixa cair, por completo, a presença da ciência (e o estudo das suas implicações) como personagem e substitui-a pela necessidade de fazer avançar a narrativa, com o uso exclusivo de cenas de acção, refugiando-se nos arquétipos actuais de um filme de acção. Talvez o mesmo também possa ser dito para o “Mundo Jurássico”.
Não obstante o afastamento das intenções dos primeiros filmes, o futuro desta saga continua vivo, pois foi já anunciado um terceiro filme deste Mundo Jurássico, a estrear em 2021. E independentemente da contribuição destes novos filmes para a ciência e para a paleontologia em particular, o trabalho desenvolvido desde o original fez reanimar todo um campo científico das prateleiras quase mortas em que se encontrava. Falo, por mim, quando digo que cresci com a geração “Parque Jurássico”, com os livros e figuras de dinossauros que marcaram várias gerações, a crescer desde os anos 90. Marcados não apenas por um universo ficcional e cinematográfico, mas também — e se calhar mais importante — por uma ciência que influenciou, certamente, muitas carreiras, contribuindo para a revitalização do campo e para o progresso científico, algo que Spielberg faz recorrentemente e de forma quase sempre surpreendente.
Tomás Agostinho, Maio de 2019.
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