22 Segunda-feira Out 2018
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Cinema, Clint Eastwood, Podcast, Segundo Take, Star Wars, Universos Paralelos, Western
Pode ouvir aqui o décimo episódio de Universos Paralelos:
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.
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18 Quinta-feira Out 2018
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Cinema, Clint Eastwood, Podcast, Segundo Take, Star Wars, Universos Paralelos, Western
Segunda-feira, dia 22 de Setembro teremos o décimo episódio de Universos Paralelos, no podcast Segundo Take, com a autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).
Olharemos, desta vez, para a carreira no faroeste de Clint Eastwood, particularmente nas quatro longas-metragens por ele realizadas. O episódio poderá ser encontrado aqui:
Clint Eastwood nasceu a 31 de Maio de 1930. Depois de granjear algum sucesso com o seu trabalho na televisão, tornou-se uma estrela internacional ao participar como o Homem Sem Nome numa trilogia de filmes realizados por Sergio Leone que se tornariam conhecidos como a «Trilogia dos Dólares» — “Por Um Punhado de Dólares” (Per un pugno di dollari, 1964), “Por Mais Alguns Dólares” (Per qualche dollaro in più, 1965) e “O Bom, o Mau e o Vilão” (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966). Estes títulos, além de darem a conhecer ao mundo o lacónico actor, tiveram um papel fundamental no sub-género do western que se convencionou chamar spaghetti, dado serem produzidos em Itália. Apesar de ser ocasionalmente criticado por John Wayne, dado o olhar pouco convencional dos seus títulos sobre o mais americano dos géneros cinematográficos, Eastwood foi-se enraizando como uma figura mítica da Hollywood clássica, participando em jingoístas fitas da Segunda Guerra Mundial, continuando a participar em filmes que recuperavam a mitologia do faroeste e transpondo a mesma lei da bala para a conturbada selva urbana da década de setenta noutra das suas mais perenes criações, o detective Harry Callahan, em “A Fúria da Razão” (Dirty Harry, Don Siegel, 1971).
A sua carreira como realizador, iniciada na mesma década, foi reflectindo imediatamente interesses temáticos mais heterogéneos e variados do que as suas escolhas como actor deixariam adivinhar. Por entre thrillers psicológicos — “Destinos nas Trevas” (Play Misty For Me, 1971) —, dramas românticos — “Ontem ao Fim do Dia” (Breezy, 1973) —, filmes de acção — “A Escalada” (The Eiger Sanction, 1975) —, musicais — “A Última Canção” (Honkytonk Man, 1982) — e títulos biográficos — “Bird – Fim do Sonho” (Bird, 1988) —, Eastwood foi construído um corpo de trabalho que conta apenas com quatro títulos situados no faroeste em quase meio século de carreira atrás das câmaras. Para o autor, o western não é uma obsessão, apesar do seu legado aí estar enraizado de forma inolvidável; é apenas mais uma localização para as histórias que quer contar.
O seu retrato anti-heróico da «fronteira americana» é normalmente pincelado por conceitos de justiça e vingança, bem como por doses generosas de violência realista — uma das críticas apontadas pelo mítico John Wayne. Se “O Pistoleiro do Diabo” (High Plains Drifter, 1973) e “Justiceiro Solitário” (Pale Rider, 1985) constituem extensões da figura espectral encenada nos filmes de Sergio Leone, parecendo representar pólos opostos de uma perspectiva divina, “O Rebelde do Kansas” (The Outlaw Josey Wales, 1976), uma realização «acidental» de Eastwood — que tomou as rédeas ao projecto depois do afastamento de Philip Kaufman —, e “Imperdoável” (Unforgiven, 1992) traçam retratos mais terra-a-terra, por isso mais corpóreos e terrenos (não confundir, por favor, com verosimilhança; estes continuam a ser expressões de uma depurada linguagem cinematográfica) que dialogam e questionam a mitologia perpetuada pelo próprio autor. Laços familiares, cobardia, arrependimento e redenção são conceitos explorados em dois títulos que definem também um ciclo de reconhecimento ao trabalho de Clint Eastwood. “O Rebelde do Kansas” foi o seu primeiro título nomeado para um Óscar da Academia de Hollywood, enquanto que “Imperdoável” foi o filme da sua consagração com que acabou por arrecadar quatro estatuetas, incluindo Melhor Filme e Melhor Realizador.
Em 2018, Clint Eastwood continua no activo aos oitenta e oito anos de idade. Nem sempre uma figura consensual, é sem sombra de dúvida um ícone cultural e uma importante referência do cinema norte-americano. Embora aparentemente tenha deixado as planícies poeirentas do faroeste para trás, vamos olhar sobre os quatro westerns que realizou e (re)descobrir o que o motivou a pegar na arma e na câmara ao mesmo tempo…
António Araújo, Junho 2018.
Cinema
Bibliografia
20 Quinta-feira Set 2018
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Cinema, Ficção Científica, George Lucas, Podcast, Segundo Take, Star Wars, Universos Paralelos
Pode ouvir aqui o nono episódio de Universos Paralelos:
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FOLHA DE SALA
Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.
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14 Sexta-feira Set 2018
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Cinema, Ficção Científica, George Lucas, Podcast, Segundo Take, Star Wars, Universos Paralelos
Segunda-feira, dia 17 de Setembro chega mais um Universos Paralelos, no podcast Segundo Take, com a autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez, voltamos às guerras das estrelas de George Lucas, para um segundo episódio que abarca o período produtivo de 1999 a 2012. O episódio poderá ser encontrado aqui:
Decorre o ano de 1997, e fãs de todo o Mundo rejubilam com o lançamento da edição especial da trilogia original de Star Wars, comemorando os vinte anos da estreia do filme original, “Uma Nova Esperança” (1977). Esta nova edição conta com aquilo a que Richard McCallum (produtor das prequelas) chamou visão original: aquilo que George Lucas pretendia que os filmes originais fossem, mas que a tecnologia da época e outros constrangimentos não permitiram. Temos, portanto, novas cenas adicionadas com recurso às novas tecnologias digitais, que começam a ganhar terreno após o enorme sucesso de filmes como “Toy Story” (1995). A imagem e o som também foram remasterizados à luz das tecnologias que se tornam agora práticas comuns.
Os fãs não podem deixar de pensar se este lançamento significaria algo para o futuro da saga. E não muito tempo depois, o próprio Lucas anuncia que mais três filmes serão lançados. São prequelas dos originais e propõem-se a contar a origem do mítico Darth Vader e a ascensão do Imperador ao poder, resultando na queda da então próspera república e com ela o desaparecimento de quase todos os Jedis. São estreados: “Star Wars: Episódio I – A Ameaça Fantasma” (1999), “Star Wars: Episódio II – O Ataque dos Clones” (2002) e “Star Wars: Episódio III – A Vingança dos Sith” (2005). Somos apresentados a novas personagens como: Anakin Skywalker (Hayden Christensen), Padmé Amidala (Natalie Portman), um jovem Obi-Wan Kenobi (Ewan McGregor), Mace Windu (Samuel L. Jackson), Qui-Gon Jinn (Liam Neeson), Jar Jar Binks (Ahmed Best), Darth Maul (Ray Park), entre outros. Os filmes são realizados e escritos pelo próprio Lucas (com a ajuda de Jonathan Hales na escrita do episódio II).
Sente-se a transição dos filmes de fantasia da primeira trilogia para a ficção científica desta nova vaga. A política toma um lugar de primeira classe, onde vemos a dinâmica do senado que influencia a galáxia, as suas tramas que levam à ascensão do Imperador e posteriormente à criação do Império tão conhecido pelos fãs e temido pelos rebeldes. Os cavaleiros Jedis, donos da luz que mantém a ordem contra o lado negro até então enfraquecido. Enquanto que na trilogia original somos apresentados a um novo universo, às leis que o regem e à sua física, dando asas a um mundo mágico onde a Força é um espírito do povo e fonte de esperança, onde a fantasia e a imaginação são reis, aqui nesta nova trilogia a fantasia é trocada pela razão e pela ciência, onde até a Força, movível na sua espiritualidade, se torna num instrumento ao serviço da ciência e da exactidão, na sua contagem pelos midi-chlorians. Lucas tenta aqui criar filmes para um público mais maduro, talvez para aquelas crianças dos originais que são agora adultas; tentando também alcançar as crianças que podem ser seduzidas pelo espectáculo das então novas e energéticas batalhas de sabres de luz e corridas de naves e podracers. No entanto, e apesar de todos os seus esforços, esta nova trilogia cai mal junto dos fãs, que quiçá depois de anos a criar expectativas não as viram preenchidas. Sou, e apesar de tudo, um fã e defensor destes filmes; são os do meu tempo e julgo-os uma óptima adição a um universo tão rico e complexo como o de Star Wars.
Lucas não se vê demovido pelas reações negativas e em 2008 é estreado “Star Wars – A Guerra dos Clones”, realizado pela então estrela em ascensão dentro da Lucasfilm, Dave Filoni. O filme segue Ahsoka Tano e o seu mestre, Anakin Skywalker numa missão secreta para resgatar o filho de Jabba the Hutt. Os acontecimentos decorrem entre o episódio II e III. O filme serve como piloto para uma série de animação lançada no mesmo ano e com o mesmo nome (2008-2014). Criada pelo próprio Lucas, tem ao leme Dave Filoni e durante seis temporadas seguimos os mesmos personagens do filme homónimo e a mesma linha temporal. Ao contrário das prequelas e do filme de animação, a série é bem recebida junto do público e da crítica.
Entretanto, durante estes anos de ouro de produção, outros meios encontram neste universo um lugar: são lançados dezenas de livros, bandas desenhas, jogos de vídeo que se propõem a fechar os buracos que compõem a cronologia que parece apenas crescer a cada dia que passa (há registo de arcos narrativos desde 25,793 BBY – Before the Battle of Yavin – a 139 ABY – After the Battle of Yavin).
Se calhar devido ao sucesso da série “Clone Wars”, em 2014 a Lucasfilm anuncia uma nova série de animação ao serviço do novo canal da Disney (um acto premonitório do que então se avizinha), “Star Wars: Rebels” (2014-2018), desta vez já com a mão de Filoni como criador. Lucas encontra-se desaparecido desta nova campanha, pois algo havia sucedido uns anos antes. Em 2012, a Lucasfilm é comprada pela gigante Disney por uns incríveis 4 mil milhões de doláres e George oferece o seu lugar a Kathleen Kennedy como presidente da Lucasfilm. Inicia-se uma nova era para a saga Star Wars; dividem-se os campos entre o contentamento e o descontentamento de fãs. O vasto Universo Expandido que havia sido criado ao longo de anos é desconsiderado como cânone e passa-se a denominar de Legends. Isto é feito com o intuito de se criar uma tábua rasa para os próximos projectos onde apenas são consideradas as produções com o selo da Lucasfilm, ou seja, os filmes originais, as prequelas e Clone Wars. Mas algo é certo: novos materiais estão a ser e serão produzidos nos anos que aí vêm.
Independentemente da posição que cada um tem em relação às várias eras que a Star Wars já sofreu, algo é certo: estamos perante uma saga que já acompanhou gerações de miúdos e graúdos e que não tem intenções de parar, portanto para o bem desta galáxia muito distante, apertem os cintos e desfrutem da viagem, que será inferior a 12 parsecs.
Tomás Agostinho, Setembro 2018.
Cinema
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20 Segunda-feira Ago 2018
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Arthur Conan Doyle, Cinema, Detectives, Podcast, Policial, Segundo Take, Sherlock Holmes, Universos Paralelos
Pode ouvir aqui o oitavo episódio de Universos Paralelos:
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17 Sexta-feira Ago 2018
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Arthur Conan Doyle, Cinema, Detectives, Podcast, Policial, Segundo Take, Sherlock Holmes, Universos Paralelos
Segunda-feira, dia 20 de Agosto é tempo para o oitavo Universos Paralelos, como sempre no podcast Segundo Take, com a autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez, o tema é o mundo ficcional de Sherlock Holmes, o príncipe dos detectives criado por Arthur Conana Doyle. O episódio poderá ser encontrado aqui:
Quando pensamos na Inglaterra, no final do século XIX, evocamos imediatamente o nevoeirento romance gótico vitoriano, ou a emergência da consciência social dickseniana, com ruas geladas, velhos avarentos, fantasmas aristocráticos e pobres órfãos. Mas este era o tempo do socialismo de Marx, da revolução científica de Darwin, do positivismo de Comte, da psicanálise de Freud e do determinismo de Laplace, sendo ainda uma época em que a Inglaterra se arrogava de ter um Império que nunca via o por do sol, mas em que rebentavam guerras de independência, onde romantismo e nostalgia coexistiam com o entusiasmo do futuro trazido pelo racionalismo científico.
Fruto do seu tempo é Arthur Conan Doyle, um médico nascido em 1859, tirado das profundezas da Escócia, e de uma infância de rigor puritano, em que passou de órfão a self-made-man. Veterano de guerras coloniais, Conan Doyle aliou patriotismo e devoção mística ao seu espírito científico, gosto pela aventura e descoberta. O resultado foi uma escrita que ia do romance histórico napoleónico à aventura na descoberta de mundos perdidos, e àquela que seria a sua criação mais emblemática, o príncipe dos detectives: Sherlock Holmes.
Enquanto Londres se atemorizava com os crimes de Whitechapel, e a figura misteriosa de Jack o Estripador (1891), Conan Doyle dava-nos (a partir de 1887) uma personagem literária que nos vinha ensinar que, aplicando a dedução lógica, todo o crime pode ser solucionado, e todas as motivações podem ser determinadas. Como se a matemática fosse finalmente colocada ao serviço das preocupações sociais, ajudando a tornar mais habitável o caos que até aí fora a actividade humana.
É nesse optimismo racional, mesclado de centelha romântica, que nasce Sherlock Holmes, que Doyle nos traz em 4 romances e 56 contos, que constituem a matriz do romance de detectives que de então até hoje continua a captar fãs, primeiro na literatura, depois com a ajuda do cinema e da televisão.
Com uma escrita escorreita, não desdenhando algum sensacionalismo, e introduzindo a figura do narrador romântico, companheiro leal do detective, mas ao contrário dele, incapaz de deduzir e por isso um mediador ao nosso nível (modelo iniciado no fiel Dr. Watson), Arthur Conan Doyle deixou-nos um conjunto de histórias empolgantes, marcadas por casos bizarros, por vezes a roçar o horrífico, onde a frieza de um detective excêntrico, dado a momentos de uma quase sociopatia, faziam dele um super-homem intelectual de fraquezas mundanas, que nos guiava por exercícios mentais cuja recompensa era a resolução lógica, mas ao mesmo tempo surpreendente.
O modelo vingou, e proliferou. Da sua maior admiradora — Agatha Christie — a tantos escritores que se seguiram (G. K. Chesterton, Ellery Queen, Erle Stanley Gardner, Rex Stout, Ellis Peters, Dorothy L. Sayers, etc.), a literatura de detectives tornou-se uma das mais procuradas do século XX. Seguiram-se as adaptações, tantas vezes com actores a especializarem-se na sua versão de Holmes: do teatro, onde William Gillette começou em 1899, até ao cinema (Arthur Wontner, Basil Rathbone, Robert Downey Jr.), e depois à televisão (Peter Cushing, Jeremy Brett, Benedict Cumberbacht). Seguiu-se o uso do nome de Holmes como personagem de obras apócrifas que ainda hoje tentam compreender um homem que — relembremos, pois chega a parecer necessário — nunca existiu, mas que é a personagem ficcional mais vezes adaptada ao cinema.
Tenha-se ou não lido a obra de Conan Doyle, seja-se ou não especialista em Holmes, todos temos alguma noção de quem é este mestre dos detectives, e de como os seus métodos são infalíveis. Com duas séries televisivas actualmente a usar no nome de Sherlock Holmes, e uma tradição literária e televisiva que ainda usa os métodos de Doyle para contar histórias, chega a ser necessário questionar: é possível criar uma história de detectives sem parecer derivada de Holmes?
José Carlos Maltez, Agosto de 2018.
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Adaptações ao teatro (selecção)
Adaptações ao cinema (selecção)
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Bibliografia
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23 Segunda-feira Jul 2018
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Cinema, Cyberpunk, Ficção Científica, Matrix, Podcast, Realidade virtual, Segundo Take, Universos Paralelos, Wachowski
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20 Sexta-feira Jul 2018
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Cinema, Cyberpunk, Ficção Científica, Matrix, Podcast, Realidade virtual, Segundo Take, Universos Paralelos, Wachowski
Segunda-feira, dia 23 de Julho chega o sétimo episódio de Universos Paralelos, como sempre no podcast Segundo Take, e com a autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez o explora-se o deserto do real da forma como os irmãos Wachowski nos deram a conhecer as fronteiras entre realidade e virtual, na série Matrix. O episódio poderá ser encontrado aqui:
“Bem-vindo ao deserto do real”. Com estas palavras ditas por Morpheus a Neo, somos lançados numa das trilogias mais marcantes que a 7ª Arte nos tem para oferecer.
Em 1999, os irmãos Wachowskis, Andy e Larry – agora Lilly e Lana, respectivamente – apresentaram ao grande público um filme que se tornaria um dos filmes mais discutidos nos círculos académicos filosóficos desde o “Vontade Indómita” (The Fountainhead, 1949) de King Vidor ou “O Sétimo Selo” (Det sjunde inseglet, 1957) de Ingmar Bergman. Tal como no tratado de Jean Baudrillard, “Simulacres et Simulation” (1981), de onde a linha de diálogo supra referida é retirada, “Matrix” procura examinar as relações entre realidade, símbolos, e sociedade, em particular os significados e simbolismo da cultura e dos media que estão envolvidos na construção de um entendimento de uma existência partilhada. No tratado, os simulacros são cópias que representam coisas que nunca tiveram um original, ou que deixaram de ter um. No filme, o simulacro não é uma cópia do real, mas torna-se verdadeiro no seu próprio direito: o hiper-real; ou seja, a incapacidade da consciência distinguir entre a realidade e uma simulação da realidade. Uma simulação é a imitação das operações de um processo do mundo real ou sistema ao longo do tempo.
Os Wachowskis, intencionalmente, procuram desestabilizar o espectador com estas questões. Numa entrevista, disseram candidamente que queriam colocar as grandes questões do Homem num só filme. Revelou-se um projecto ambicioso que viria a crescer para uma trilogia (posteriormente estrearam: “The Matrix Reloaded” (The Matrix Reloaded, 2003) e “Matrix Revolutions” (The Matrix Revolutions, 2003)). Como sugerido por Slavoj Žižek, Matrix é um verdadeiro teste de Rorschach para teses filosóficas: existencialismo, Marxismo, feminismo, Budismo, niilismo, pós-modernismo, … É possível encontrar, praticamente, qualquer ismo nesta trilogia. No entanto, algumas questões apresentam-se como centrais: O que posso saber? O que devo fazer? O que posso esperar? O que é real? O que é a felicidade? O que é a mente? O que é a liberdade, e será que a temos? É a inteligência artificial possível?
Aparte das questões que os filmes suscitam, esta trilogia também representa um salto bastante relevante dentro do género cinematográfico dos filmes de acção. Repleto de inovações técnicas que permitem aos actores desafiar as leis da gravidade (evidenciando o contraste entre as cenas do mundo actual e as do mundo virtual – “there is no spoon” – como é dito a Neo, pois a Matrix apesar de não ser de forma senciente distinguível do real, não deixa de ser constituída por linhas de código e mudando isso – no filme isso implica mudar-se a si mesmo –, muda-se a realidade aparente, permitindo a Neo parar balas, voar ou saltar entre prédios), como é o caso da bullet time, Matrix aproxima-se de um cinema de artes marciais clássico com técnicas modernas; funde lutas coreografadas e a utilização de fios presos aos actores para simular capacidades sobre-humanas (também conhecido como Qinggong) dentro de um mundo virtual para contrastar múltiplas realidades. Cinematograficamente falando este contraste encontra-se na escolha das cores: predominância do verde no virtual e do azul no real. Notemos ainda que o que é representado como realidade virtual não recorre (ou recorre pouco) ao digital, ao passo que o que é representado como realidade actual é, em contrapartida, sistematicamente produzido com imagens digitais. A realidade actual é negra, suja e desesperante, enquanto que a realidade virtual é colorida, limpa e no fundo, feliz. Compreende-se a posição de Cypher: “After nine years, you know what I realize? Ignorance is bliss.” Incapaz de distinguir duas realidades, mas vale viver naquela em que somos felizes.
Ainda com o intuito de aumentar o universo de Matrix e preencher algumas lacunas presentes nos filmes, os Wachowskis produziram uma antologia de curtas metragens de animação denominada de “The Animatrix” (The Animatrix, 2003). A antologia contém detalhes da história do universo Matrix, incluindo a guerra original entre homem e máquina que levou à criação da Matrix. Conta com convidados de renome como: Shinichirō Watanabe (Cowboy Bebop) ou Peter Chung (Æon Flux)
Filho do cyberpunk, Matrix é uma série de filmes que carrega a tocha bem acesa desse subgénero da ficção científica. Apresenta-se como vários filmes de acção, mas que inevitavelmente suscitam em nós várias questões de grande importância. Aqui, neste pequeno texto, procurei reflectir mais sobre a questão do real, mas a título de possível interesse, deixo outros três problemas filosóficos, presentes neste universo, que aconselho o devido aprofundamento: (i) a alegoria da caverna de Platão, (ii) o dualismo cartesiano corpo-alma e (iii) o problema de Molyneux.
Bons visionamentos, boas leituras, e vemo-nos do outro lado da toca do coelho.
Tomás Agostinho, Julho de 2018.
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19 Terça-feira Jun 2018
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Cinema, Distopia futurística, Ficção Científica, Podcast, Segundo Take, Terry Gilliam, Universos Paralelos
Pode ouvir aqui o sext episódio de Universos Paralelos:
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no podcast Segundo Take.
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14 Quinta-feira Jun 2018
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Cinema, Distopia futurística, Ficção Científica, Podcast, Segundo Take, Terry Gilliam, Universos Paralelos
Segunda-feira, dia 18 de Junho, chega o sexto episódio de Universos Paralelos, no podcast Segundo Take, da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez teremos “algo completamente diferente”, as incursões no futuro distópico de cenários retrofuturistas imaginados por Terry Gilliam. O programa poderá ser encontrado aqui:
Nascido nos Estados Unidos em 1940, e mais tarde naturalizado inglês, renunciando mesmo à nacionalidade norte-americana, Terrance Vance Gilliam tornou-se conhecido no mundo do espectáculo audiovisual por ser um dos seis elementos da célebre troupe de comediantes Monty Python, que em 1969 começaram a surpreender o mundo com o seu programa de televisão “Monty Python’s Flying Circus” (BBC, 1969-1974).
Tal como os seus parceiros “pythonianos”, Terry Gilliam ostentava uma educação superior (Mestrado em Ciências Políticas) quando decidiu seguir a carreira artística, dando expressão à sua paixão pelo desenho e animação. Foi como animador e desenhador de banda desenhada na revista “Help!” que Gilliam iniciou a carreira nas artes gráficas, e quando esta fechou, rumou a Inglaterra, onde acabou a desenhar para televisão, nomeadamente no programa “Do Not Adjust Your Set” (1967-1969), onde conheceu os futuros Python Eric Idle, Michael Palin e Terry Jones.
Nos Monty Python, Gilliam foi o responsável pelos elos de ligação animados entre sketches, que combinavam na perfeição com os cortes abruptos pretendidos no humor da série, e onde usava de um surrealismo de associação livre, humor negro e imaginário grotesco, feito de colagens, e recorrendo a conhecidas obras de arte e fotografias antigas, o que resultou num estilo muito próprio e ainda hoje inconfundível.
Aos poucos, Gilliam passou a ter um pouco mais de peso como actor e autor de sketches (principalmente na quarta temporada da série — aquela em que John Cleese tirou um ano de sabática —, e também nas actuações de palco), mas a sua contribuição, como se veria na passagem ao cinema, seria sobretudo na definição da imagem do grupo. Com essa vertente em mente, Gilliam assumiu a direcção (a meias com Jones) do filme “Monty Python e o Cálice Sagrado” (Monty Python and the Holy Grail, 1975), um filme que lida com temas históricos e fantasia, desconstruídos com o habitual humor corrosivo dos Python, num rumo que Gilliam prosseguiria nas suas obras a solo: “Aventuras em Terras do Rei Bruno, o Discutível” (Jabberwocky, 1977), “Os Ladrões do Tempo” (Time Bandits, 1981) e “A Fantástica Aventura do Barão” (The Adventures of Baron Munchausen, 1988), qualquer um deles com um ou mais Pythons presentes no elenco.
Após a realização da curta-metragem “The Crimson Permanent Assurance”, incluída em “O Sentido da Vida” (Monty Python’s The Meaning of Life, 1983), os Python seguiram caminhos separados, com Gilliam a mostrar que, dos seis, era o mais talhado (e motivado) para a carreira de realizador.
Em 1985, Terry Gilliam teria aquele que foi talvez o seu primeiro grande sucesso junto da crítica, com “Brazil: O Outro Lado do Sonho”, um filme que também escreveu, e que segundo o próprio faz parte da “Trilogia da Imaginação”, que compreende ainda “Os Ladrões do Tempo” e “A Fantástica Aventura do Barão”, e que passa por testemunhos do mundo através dos olhos de personagens deslocadas, à beira da loucura, ou em desespero (uma criança em “Os Ladrões do Tempo”, um adulto em “Brazil” e um idoso em “A Fantástica Aventura do Barão”). “Brazil” é, acima de tudo o primeiro dos filmes do que chamamos o futuro distópico de Terry Gilliam, uma espécie de conto “orwelliano” sobre uma sociedade futura, totalitária, presa a valores de pesadelo, sejam a extrema burocracia, a claustrofobia ou as idiossincrasias da classe dominante. Tudo nele é grotesco e surreal, numa pesada atmosfera de opressão, de que fugir parece ser a única opção sã.
Fuga da realidade, fronteira entre a sanidade e demência, futuro horrífico distópico é também o tema de “12 Macacos” (Twelve Monkeys, 1995), o segundo filme da “Trilogia Americana” — que compreende ainda “O Rei Pescador” (The Fisher King, 1991) e “Delírio em Las Vegas” (Fear and Loathing in Las Vegas, 1998) —, um remake do clássico de Chris Marker “La Jetée” (1962), e que nos tece uma complexa trama de viagens no tempo, numa história de inevitabilidade trágica, entre um futuro pós-apocalíptico e um presente não menos são, pelo menos para quem o vê com os olhos dos personagens de Gilliam.
Esta obsessão distópica por um futuro grotesco e surreal volta em “O Teorema Zero” (2013), um novo conto de solidão e disfunções sociais, num mundo ininteligível aos nossos olhos, onde tudo e nada parecem apontar para o completo absurdo do sentido da vida (novamente o piscar de olhos à história dos Monty Python).
José Carlos Maltez, Fevereiro de 2018
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