30 Terça-feira Jun 2020
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Cinema, David Cronenberg, Podcast, Segundo Take, Terror, Universos Paralelos
Pode ouvir aqui o trigésimo episódio de Universos Paralelos:
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Universos Paralelos é um programa da autoria de António Araújo (Segundo Take), José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e Tomás Agostinho (Imaginauta), produzido e apresentado mensalmente no website Segundo Take.
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14 Quinta-feira Maio 2020
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Bela Lugosi, Bram Stoker, Christopher Lee, Cinema, Drácula, Podcast, Segundo Take, Terror, Universos Paralelos, Vampiros
Pode ouvir aqui o vigésimo nono episódio de Universos Paralelos:
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FOLHA DE SALA
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12 Terça-feira Maio 2020
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Bela Lugosi, Bram Stoker, Christopher Lee, Cinema, Drácula, Podcast, Segundo Take, Terror, Universos Paralelos, Vampiros
Está a chegar o o vigésimo nono episódio de Universos Paralelos, da autoria do António Araújo (Segundo Take), do José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e do Tomás Agostinho (Imaginauta).
Preparem-se para convidar para casa o mais famoso dos vampiros, Drácula:
Em 1897, o irlandês Abraham ‘Bram’ Stoker publicou aquele que viria a ser o seu mais famoso livro. “Drácula”, de seu nome, era um romance na veia gótica do século XIX, que explorava o mito do vampirismo, numa história epistolar de suspense, horror e aventura, passada, em parte, na Inglaterra vitoriana.
Stoker, um funcionário público, na cinzenta Dublin, que escrevia críticas de teatro por hobby, veio a conhecer o famoso actor inglês Henry Irving, o qual o contratou como agente. Desse modo, Stoker mudou-se para Londres, e viajou pela Europa, tomando contacto com o folclore que lhe inspiraria a história de vampiros. Estas faziam já parte da literatura britânica, desde a célebre noite de tempestade de 1816 nas margens de um lago suíço – da qual saiu “Um fragmento” de Lord Byron e o conto de John Polidori, “The Vampyre: A Tale” (1819) –, até ao popular “Varney, The Vampire” de James Malcolm Rymer (publicado entre 1845 e 1847) e à novela “Carmila” de J. Sheridan Le Fanu (1872).
Durante cerca de sete anos, Bram Stoker estudou as origens de crenças populares e mitos de vampirismo, descobrindo que este culto do sangue e das suas propriedades mágicas pode ir do antigo Médio Oriente (Lilith) à Índia (Khali), do México azteca ao extremo oriente. Mas foi principalmente o Leste europeu que o inspirou, com registos de histórias de cemitérios profanados, por pessoas que – quando males inexplicáveis assolavam uma aldeia – procuravam nas campas sinais de que algum corpo não descansava devidamente, e voltava à noite para trazer a doença e a morte.
Lendo sobre esses relatos, e compilando as características atribuídas e estes seres fantásticos, Stoker criou um compêndio que se tornou a pedra basilar para todas as obras futuras sobre vampiros. Mas ao invés de criar uma história sobre mitos antigos, Stoker, renovou-a, e trouxe o seu personagem titular – um conde ancestral, culto, e de boas maneiras – da longínqua Transilvânia para a moderna e industrial Inglaterra do seu tempo, confrontando antiguidade e modernidade, mito e ciência, Oriente e Ocidente.
Numa Inglaterra, ainda puritana, que vivia o sensacionalismo de Jack o Estripador, lia avidamente “Sherlock Holmes”, e se espantava com todos os avanços científicos recentes, Drácula foi recebido com entusiasmo, tornando-se um clássico imediato. Tal sucesso passou fronteiras, e a prova é a adaptação ao cinema, em 1922, por F. W. Murnau, no filme “Nosferatu, O Vampiro”, um clássico do expressionismo alemão, que acabou proibido pelos herdeiros de Stoker.
Mais sorte teve Hamilton Deane, que adaptou a obra ao teatro, nos Estados Unidos, onde teve carreira brilhante na Broadway. Tal fez com que Hollywood cobiçasse o tema, e a Universal – então a lançar-se no cinema de terror – adaptou a peça ao cinema, em 1931, lançando a figura do mesmo actor que vestira a capa de Drácula em palco, o húngaro Bela Lugosi. Nada mais seria como dantes, Drácula passava a aristocrata sofisticado, de capa preta e olhar hipnótico, figura que a Universal exploraria em mais cinco filmes (seis, se contarmos a versão espanhola do filme de 1932), com Lon Chaney Jr. e John Carradine também a vestirem a capa, mas a qualidade a decrescer, numa tendência de repetir clichés e de lançar monstros como atracções de feira.
Com os filmes de vampiros, e de Drácula (nem sempre nomeado como tal por razões legais), a proliferarem, é em 1958 que o personagem ganha novo ímpeto, quando a inglesa Hammer estreia “O Horror de Drácula”, protagonizado por Christopher Lee. Toda uma nova geração via agora sangue vermelho, dentes pontiagudos, e olhos raiados de sangue, na figura imponente e ameaçadora de Lee, que entraria em várias sequelas até 1973.
Desde então o príncipe dos vampiros nunca mais nos deixou, continuando a ser readaptado, seja no vampiro negro de William Marshall em “O Vampiro Negro” (1972), no romântico sedutor de Frank Langella em “Drácula” (1979), ou na bizarra figura quase inumana de Klaus Kinsky no remake “Nosferatu, O Fantasma da Noite” (1979). Talvez hoje a sua forma mais conhecida seja a trazida por Francis Ford Coppola no luxuoso e muito barroco filme “Drácula de Bram Stoker” (1992), que assumiu o papel de contar pela primeira vez a história tal como vem no livro.
Desde o final do século XX assistiu-se a uma grande popularidade do género no cinema e na televisão, com vampiros de todas as formas e feitios (que é como quem diz, de todas as intenções e graus de malvadez), em géneros que vão da comédia ao romance, da aventura ao terror. Com tantos vampiros de proveniências e comportamentos tão variados, espanta quase que o “velhinho” Drácula ainda seja recuperado de tempos a tempos. Mas ele aí continua, como marco intemporal, e símbolo da cultura ocidental, nem que seja para leituras revisionistas de que o mais recente exemplo é a minissérie de 2020 “Drácula”, criada por Mark Gatiss e Steven Moffat.
José Carlos Maltez, Maio de 2020.
Bibliografia
Cinema (filmografia seleccionada)
Televisão
Teatro (selecção)
Literatura pré-Drácula
Televisão (selecção)
Cinema
15 Quarta-feira Abr 2020
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Cinema, Hannibal Lecter, Podcast, Policial, Segundo Take, Terror, Thriller, Universos Paralelos
Pode ouvir aqui o vigésimo oitavo episódio de Universos Paralelos:
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13 Segunda-feira Abr 2020
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Cinema, Hannibal Lecter, Podcast, Policial, Segundo Take, Terror, Thriller, Universos Paralelos
Esta semana chega o vigésimo oitavo episódio de Universos Paralelos, da autoria do António Araújo (Segundo Take), do José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e do Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez vamos servir como prato, o universo dos serial killers de Thomas Harris na sua série “Hannibal”:
Nascido a 22 de Setembro de 1940, pouco se sabe sobre o discreto Thomas Harris. Talvez os seus interesses enquanto romancista tenham tido a sua génese na cobertura de casos de polícia dos seus dias de jornalista. “Black Sunday”, um thriller psicológico publicado em 1975 em que um grupo terrorista planeia um assassinato em massa numa final do campeonato de futebol americano, foi apenas um sucesso mediano, recuperado dois anos mais tarde pela adaptação ao grande-ecrã pela mão de John Frankenheimer, “Domingo Negro”. O segundo romance, “Red Dragon”, de 1981, encontrou também o seu caminho até às salas de cinema num filme de 1986 produzido por Dino De Laurentiis e assinado pelo esteta Michael Mann: “Manhunter”, estreado em Portugal com três anos de atraso e com o título “Caçada ao Amanhecer”. Tanto livro como filme passaram relativamente despercebidos ao grande público apesar das críticas positivas ao anterior e do talento envolvido na produção do posterior. E, acima de tudo, não obstante conter a criação que moldaria a carreira do escritor e o panorama cinematográfico do decénio de 1990: o brilhante psiquiatra e assassino em série canibal Hannibal Lecter, nesta primeira versão cinematográfica com o nome alterado para Hannibal Lecktor numa breve e intensa criação do actor Brian Cox.
Aparecendo em 1988, como uma sequela de “Red Dragon”, “The Silence of the Lambs” retirava o protagonismo a Will Graham e colocava à boca de cena Clarice Starling, uma jovem cadete do FBI. Recuperando em parte a estrutura do romance anterior, recuperava também o seu elemento mais fascinante: o genial assassino atrás das grades Hannibal Lecter, tornado em relutante e manipulador aliado das forças policiais numa perseguição a um perigoso assassino em série. Agastado com o fiasco financeiro de “Caçada ao Amanhecer”, Dino De Laurentiis cedeu os direitos da personagem à Orion Pictures para uma planeada adaptação pela mão de Gene Hackman que não se chegou a concretizar. É difícil imaginar hoje o que teria resultado desta versão do projecto. A verdade é que se seguiu uma rara simbiose de talento na adaptação séria do que muitos poderiam considerar material menor. O guião de Ted Tally é fiel ao texto de Harris, filtrando os elementos não essenciais para uma narrativa eficaz e eficiente. Jodie Foster perseguiu o papel de Clarice pela afirmação de uma personagem feminina num mundo dominado por homens. A escolha improvável de Jonathan Demme para a cadeira de realizador encontrou um autor sintonizado não só com a perspectiva da sua protagonista como com a humanidade da história, revestindo-a da gravitas necessária ao horrível e degradante tema tão caro aos americanos, os assassinos em série. Finalmente, Anthony Hopkins encarnou com deleite Hannibal Lecter, transformando-se num ícone imediatamente reconhecível por conta da sua interpretação ao mesmo tempo charmosa e aterradora, num delicado número de corda-bamba entre o verosímil e o overacting. “O Silêncio dos Inocentes” legitimou por instantes o género de terror junto do mainstream, e, sob uma chuva de protestos das comunidades transexual e homossexual pelo retrato do assassino Buffalo Bill, arrecadou incrivelmente e inesperadamente as premiações dos Óscares nas principais categorias: filme, realização, argumento (neste caso, adaptado), actor e actriz. Ainda assim, é impossível não destacar o trabalho de edição de Craig McKay, de fotografia de Tak Fujimoto e de composição musical de Howard Shore na criação de um clássico absoluto
O sucesso descomunal de “O Silêncio dos Inocentes” e a popularidade de Hannibal Lecter, elevado na cultura popular ao pódio das criações vilanescas ficcionais, acabou por condicionar Thomas Harris. Só isso explica que o seu livro seguinte, altamente antecipado e publicado finalmente em 1999, tenha transformado o psiquiatra canibal, anteriormente um acompanhamento delicioso, no prato principal da refeição, dando inclusivamente o seu nome ao título: “Hannibal”. Dando continuidade ao romance anterior, coloca Clarice Starling no encalço do agora fugitivo Hannibal Lecter, alienando metade dos seus leitores no processo por causa do material mais lúrido que 
anteriormente. Incluindo Ted Tally, Jonathan Demme e Jodie Foster, que se recusaram a voltar para mais um filme a ser produzido pelo arrependido Dino De Laurentiis, à procura de recuperar os dólares que viu voar quando abriu mão da personagem agora tão popular. De Laurentiis começou por assegurar o mais importante: o regresso de Anhony Hopkins. Depois conseguiu o envolvimento de Ridley Scott, recém aclamado pelo sucesso de “Gladiador”. Finalmente, colmatou a ausência de Jodie Foster com a contratação de uma actriz igualmente capaz, Julianne Moore. Ainda assim, apesar do extraordinário trabalho de adaptação de David Mamet e Steven Zaillian, e dos muitos milhões de dólares arrecadados na bilheteira, foi impossível disfarçar, logo em 2001, o sentimento generalizado de desapontamento perante esta adaptação. Obviamente que, apesar disto, o consagrado produtor italiano não se deixou abater na sua demanda para fazer render a recuperada galinha dos ovos de ouro, e logo no ano seguinte decidiu voltar a filmar “Red Dragon” no contexto da composição de Hopkins para Lecter. No entanto, um elenco de excepção e o tarefeiro realizador Brett Ratner não foram suficientes para recuperar, onze anos depois, a “magia” do filme de 1991 a partir de um guião do também regressado Ted Tally. O resultado é uma revisitação morna e descaracterizada do que já tinhamos visto em “Caçada ao Amanhecer”, com o protagonismo de Hannibal Lecter a ser desta feita obviamente inflacionado.
Prova final da “prisão” de Harris à sua criação é o romance de 2006 “Hannibal Rising”. Alegadamente, terá sido a pressão de Dino De Laurentiis para a criação de uma prequela, com ou sem a colaboração do escritor, que o terá levado à escrita do livro e da própria adaptação ao cinema, numa história da génese do monstro Hannibal Lecter para matar de vez com algum mistério que pudesse ainda sobrar. O resultado, logo no ano seguinte, é um filme que ninguém pediu e muito poucos viram. Realizado por Peter Webb, “Hannibal – A Origem do Mal” viu o seu protagonista mudar novamente de cara, desta vez para a do jovem actor Gaspard Ulliel. Quando pensávamos ter sido este o último prego no caixão, eis que surge em 2013 o impensável. Uma excelente adaptação televisiva protagonizada pela canibal personagem, aqui reinventada pela singularidade da leitura de Mads Mikkelsen, repetindo o título singelo “Hannibal”. Esta criação de Bryan Fuller conseguiu a proeza de recuperar o tom de horror gótico sugerido a espaços pelos filmes, construindo macabros tableaux de grande beleza estética e horripilante violência gráfica enquanto incorporava nas suas narrativas ao longo de três temporadas elementos do folclore das obras que a precederam. Se antes nos parecia estamos de barriga cheia, perante o cancelamento de tal festim ficámos subitamente com fome por mais.
António Araújo, Março de 2020.
Bibliografia
Cinema
Televisão
18 Quarta-feira Mar 2020
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Arnold Schwarzenegger, Cinema, Ficção Científica, Inteligência Artificial, James Cameron, Linda Hamilton, Podcast, Segundo Take, Terror, Universos Paralelos
Pode ouvir aqui o vigésimo sétimo episódio de Universos Paralelos:
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13 Sexta-feira Mar 2020
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Arnold Schwarzenegger, Cinema, Ficção Científica, Inteligência Artificial, James Cameron, Linda Hamilton, Podcast, Segundo Take, Terror, Universos Paralelos
Está a chegar o vigésimo sétimo episódio de Universos Paralelos, da autoria do António Araújo (Segundo Take), do José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e do Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez temos o universo “Exterminador Implacável”, com fins do mundo de guerra entre homens e máquinas, como James Cameron e Arnold Scharzenegger nos mostraram:
Certo dia, num quarto de hotel de hotel em Roma, sentindo-se sozinho e fora do seu elemento, James Cameron ficou doente e teve um pesadelo sobre um torso metálico arrastando-se para fora de uma explosão enquanto segurava facas de cozinha. Este cenário sonhado foi a génese de “O Exterminador Implacável”. A partir desta imagem, com contribuições do amigo William Wisher, Jr. e da produtora Gale Anne Hurd, que acabaria creditada como co-argumentista, construiu uma história sobre um ciborgue humanóide aparentemente indestrutível que viaja no tempo — desde 2029 até 1984 — para assassinar uma empregada de mesa, Sarah Connor, cujo filho John, ainda não nascido, liderará a humanidade numa guerra contra as máquinas. A reviravolta de génio reside no irresolúvel paradoxo temporal introduzido pelo envio de Kyle Reese, um soldado dessa guerra futura, com o intuito de proteger Sarah do exterminador implacável a todo custo, que acaba por ser o pai de John. O eterno dilema do ovo e da galinha que, em vez de se encerrar em si próprio, abre as portas a infindáveis possibilidades.
“O Exterminador Implacável”, estreado em 1984, veio a revelar-se como um título charneira do terror e da ficção científica. Não só inscreveu uma variedade de conceitos na cultura popular, tais como a ideia de organismos cibernéticos ou a ameaça da singularidade — o momento em que a inteligência artificial superará a inteligência humana, alterando radicalmente a civilização —, como se tornou uma referência incontornável da década de oitenta, firmando o estrelato de Arnold Schwarzenegger. O actor austríaco tem uma presença física inegável e a sua interpretação robótica, muitas vezes menosprezada, é um elemento crucial para a eficiência das assustadoras cenas de perseguição, criando uma sensação de implacabilidade bem traduzida no título em português. Além disso, linhas de diálogo como “I’ll be back!” tornaram-se parte do léxico cinéfilo (e não só), comprovando o impacto cultural de um pequeno filme de género.
Em 1991, Cameron realizou uma sequela, “Exterminador Implacável 2: O Dia do Julgamento”, expandindo o universo do original e superando-o em escala e ambição. T2, como ficou conhecido, foi um sucesso monumental de público e crítica, e foi um passo de gigante no que respeita à utilização de efeitos digitais no cinema na criação do antagonista T-1000, um metamórfico de metal líquido. Menos enraizado no género de terror e mais preocupado com temáticas de livre-arbítrio e predestinação, é, no entanto, um complemento perfeito ao filme anterior, com o qual forma um díptico de perfeita mitologia de ficção científica. Mas quis o destino que a história não acabasse aqui, e, entre 2003 e 2017, fomos presenteados com mais uma série televisiva e quatro sequelas que, alimentadas pelas possibilidades abertas pelo conceito de viagem no tempo e pelos resultados de bilheteira abaixo das expectativas, escreveram e reescreveram o rumo da série, trilhando um sortido de realidades alternativas, tanto fora como dentro do ecrã.
Se a série televisiva, “Terminator: As Crónicas de Sarah Connor” (2008-2009), se focou em temas religiosos e humanistas, cada título adicional para cinema, à procura de reproduzir a magia dos dois primeiros filmes, foi reflectindo a realidade do momento, adaptando as preocupações temáticas originais em função da constante evolução tecnológica e social, não obstante o medo nuclear como catalisador central da ameaça apocalíptica. Em 2003, num mundo cada vez mais ligado em rede, “Exterminador Implacável 3 – Ascensão das Máquinas” introduziu o conceito de vírus informáticos como ameaça aos servidores de defesa militar. Depois da tentativa, em 2009, de ancorar a saga no futuro devastado em “Exterminador Implacável – A Salvação”, piscando o olho a questões de identidade e humanidade bem caras ao género, seis anos mais tarde, alimentado por uma corrente de soft reboots e legacy sequels, “Exterminador: Genisys” descentralizou a ameaça dos servidores de defesa estatal para os omnipresentes telemóveis e tablets com os quais convivemos diariamente, criando um vilão cibernético mais insidioso e, potencialmente, mais perigoso. Finalmente, com a nova viragem de rumo em 2019, “Exterminador Implacável – Destino Sombrio” mostrou-se mais preocupado com o actual panorama político, económico e social, ao reinventar a ascensão do inimigo como a consequência de uma guerra cibernética, e ao depositar a esperança para a humanidade numa mexicana a viver além do infame muro que separa o México dos Estados Unidos da América.
Muitos gostariam de viajar no tempo e impedir que mais sequelas houvessem depois de T2. Infelizmente, não podemos mudar o passado, apenas esperar o melhor daqui em diante. O que será que o futuro nos reserva? Só o destino o dirá. E este, como diria Sarah Connor, está nas nossas mãos. Ou melhor, nas mãos dos executivos de Hollywood que não aprendem com os erros e parecem fadados a repeti-los.
António Araújo, Fevereiro de 2020.
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23 Domingo Fev 2020
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Cinema, Denis Villeneuve, Distopia, Ficção Científica, Philip K. Dick, Podcast, Ridley Scott, Segundo Take, Universos Paralelos
Já está disponível o vigésimo sexto episódio de Universos Paralelos:
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A FOLHA DE SALA será disponibilizada em breve:
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16 Quinta-feira Jan 2020
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007, Acção, Cinema, EON, Espionagem, Ian Fleming, James Bond, Podcast, Roger Moore, Sean Connery, Segundo Take, Universos Paralelos
Pode ouvir aqui o vigésimo quinto episódio de Universos Paralelos, o primeiro de 2020:
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15 Quarta-feira Jan 2020
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007, Acção, Cinema, EON, Espionagem, Ian Fleming, James Bond, Podcast, Roger Moore, Sean Connery, Segundo Take, Universos Paralelos
Iniciado 2020, trazemos o vigésimo quinto episódio de Universos Paralelos, da autoria do António Araújo (Segundo Take), do José Carlos Maltez (A Janela Encantada) e do Tomás Agostinho (Imaginauta).
Desta vez com Bond, James Bond, o mais famoso agente secreto do mundo da ficção, uma criação do escritor Ian Fleming:
Em 1953 o escritor, e antigo espião britânico, Ian Fleming publicava “Casino Royale”, o primeiro romance onde apresentava um novo herói de espionagem, Bond, James Bond, de nome código 007, um ex-comandante da Marinha (como o próprio Fleming), que desde logo se destacava pelo seu estilo de uma pomposidade arrogante, onde o seu charme e disponibilidade sexual se equiparavam à intrepidez e aventureirismo.
Esta romantização da vida de um agente secreto agradou de imediato ao público, e os livros seguiram-se, na constante produção de uma publicação por ano, com Fleming a escrever no seu anual retiro de férias nas Bahamas – denominado Golden Eye – para nos dar uma espécie de alter-ego que vivia no papel as histórias que o agente Fleming nunca vivera na vida real, feitas de viagens, destinos exóticos, aventura excitante, jogos nos meandros da alta-sociedade e, claro, muitas escaldantes aventuras com o sexo oposto.
Diz-se, muito a propósito, que Ian Fleming escrevia a imaginar a transposição das suas histórias para o grande ecrã. É por isso compreensível que rapidamente tenha aceitado tal passagem de formato, e mais ainda que tenha saído decepcionado quando o resultado foi um telefilme de fracos meios, com um agente americanizado para satisfazer o público. O resultado: “Casino Royale” (1954), teria duas consequências, a perda dos direitos do romance homónimo, e a desconfiança de Fleming quanto ao cinema. Mas maiores reveses seriam o progressivo afastamento da crítica (que considerava a obra superficial, arrogante e pejada de sexo e violência), e o imbróglio em que se tornou a luta pelos direitos do livro “Thunderball” (1961), nascido a partir de um argumento escrito a meias com Kevin McClory, e que este viria a conseguir em tribunal.
Não obstante, dois produtores de cinema estavam convencidos de que as histórias de Fleming tinham nascido para mudar a história do cinema. Eles eram Albert S. Broccoli e Harry Saltzman, o primeiro com o dinheiro para a produzir os filmes, mas sem convencer Fleming a ceder-lhe os direitos, o segundo comprando os direitos da adaptação dos livros, mas sem dinheiro para prosseguir. Do encontro dos dois homens nasceu uma grande amizade e uma companhia, a EON (Everything Or Nothing) Productions, votada exclusivamente a trazer James Bond para o grande ecrã.
Com o apoio da United Artists, e a escolha do desconhecido Sean Connery para protagonista, “Agente Secreto 007” (Dr. No) foi o primeiro filme de uma série que iria firmar créditos com uma produção contínua, uma imagem de marca inconfundível, e uma equipa que se tornaria uma família coesa nos anos seguintes.
Hoje, todos conhecemos a famosa sequência de abertura, as músicas, os clichés como a apresentação de Bond, as suas tiradas insinuantes para com as mulheres, o seu modo de pedir vodka Martini, os carros, os gadgets, e claro as Bond girls, caso único no cinema de uma forma de categorizar actrizes, só porque aparecem em determinados filmes. Seja pelos designs futuristas de Ken Adam, pela música bombástica de John Barry, pelos sensuais genéricos de abertura de Maurice Binder, e claro pelas histórias românticas cheias de proezas físicas, em que salva o mundo de super-vilões maquiavélicos, 007 passou ao imaginário colectivo, tendo chegado a ser citado por líderes mundiais como John Kennedy ou Ronald Reagan.
Mesmo com o passar dos tempos, alguma mudança de tom e de actores – com George Lazenby a dar-nos um Bond diferente em “007 – Ao Serviço de Sua Majestade” (On Her Majesty’s Secret Service, 1969), para ser logo substituído por Connery, e com Roger Moore desde 1971 a 1985 a trazer ao papel uma maior leveza e porte aristocrático –, os filmes sucedem-se, e marcam quer o cinema de acção quer o público que sabe bem o que distingue um filme de James Bond de qualquer outro.
E a história continua para lá de Roger Moore e de 1985, mas isso será tema para o segundo episódio.
José Carlos Maltez, Janeiro de 2020.
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